Como dibujar un Retrato a Lápiz Paso a Paso 5

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19. Agrisando la cara.

Cómo podrás notar, el haber intensificado el tono del cabello nos brinda un marco natural ideal para trabajar la cara. Este marco nos permitirá agrisarla sin pasarnos; cosa que podría estropear irremediablemente el retrato, a menos que queramos una Mena bronceada, y supongo que no sería lo más recomendable; así que con esta guía visual importante vamos a trabajar en la cara agrisándola en su justa medida.

El propósito será conseguir mayor realismo modelando esa redondez natural de la cabeza, generando a la vez la textura de la piel que se aprecia lisa y ligeramente brillosa. Esto lo conseguiremos modulando sus valores de luz y sombra intermedios, esos que modelan la cara y que no son las luces o  sombras principales. 

A continuación te explicaré un poco más a detalle cómo puedes hacerlo de la mejor manera.

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1.-  Sería muy útil que te hicieras para empezar de una foto complementaria de tu modelo pero en blanco y negro.

La misma foto pero en blanco y negro, nos servirá para encontrar más fácil
los tonos, ya que no nos interesa el color.

Verás cómo se revelan los tonos de un modo mucho más claro que en el original, a color. Yo hice este viraje en Photoshop, sino te es posible hacer la conversión con tus propios medios, te sugiero acudas a un lugar de copiado e impresión especializados llevando tu imagen en tu USB, y les solicites que te impriman las dos versiones. Si tienes la posibilidad imprime de una vez una copia más en alto contraste:

Esta de verdad te ayudará a ubicar aún mejor las zonas de luz y sombra principales, ya que se vuelven muy evidentes.

2)  Ahora, con ayuda de las fotos que imprimiste podrás determinar las zonas de máxima luz, sombras densas y  tonos intermedios.

Guiándote de las siguientes láminas te resultará más fácil hacerlo.

Y ahora sí, empecemos a modelar el rostro.

Trabaja con el lápiz inclinado, haciendo achurados en diagonal y de vez en cuando aplica esfumados, para alisar las texturas y Procura dejar limpias; es decir, que no tengan por el momento nada de lápiz las zonas de máxima luz.

     Como buen complemento de esta lección sería recomendable repasaras un poco la forma del cráneo ya que te diré que éste define el relieve del rostro en un 70%, o más. Conocer lo que se encuentra debajo de ese lindo cutis nos será de gran ayuda para comprender mejor el porqué de esas luces y sombras.

       Si tu interés es de verdad grande, entonces definitivamente también tendrás que darle una repasadita a los músculos de la cara, que junto con el cráneo le confieren el 95% de su forma. Si puedes dibújalos y estúdialos en hoja aparte primero. 

Tips extras:

      1).- No te piques tanto, porque corres el riesgo de caer en la desesperación, en la desgastante trampa de la inconformidad; del clásico:- ALGO NO ME ESTÁ QUEDANDO BIEN, ó … el típico-COMO QUE ALGO NO ME CONVENCE- y entonces, en lugar de avanzar con entusiasmo estarás librando una batalla desigual contra tu impotencia. Así que debes estar atento(a) ante esta posibilidad y cuando sientas que algo no anda bien en tu intención, detente!, respira profundamente, y enfoca tu atención en otra cosa, lo que sea, pero no sigas dibujando sino hasta pasado un buen rato, o incluso un día completo. Ya repuesto(a) entonces visualiza tu avance desde atrás, o sea, aléjate un poco de tu obra, algo así como un metro de alejamiento, cuida de tener  juntos tanto la foto de la modelo como tu dibujo y justo frente a ti, en posición vertical y contempla a ambos, con reflexión y… COMPARA!!!!, tantas veces sea necesario tratando de encontrar defectos y errores de ejecución. Debes ser muy observador (a) y estricto con tu progreso, y ajusta.

      

     2).-Consigue un espejo y mira tu obra a través de él; puede ser que te lleves una sorpresa ya que mágicamente podrán aparecer  errores; algunos habrán pasado inadvertidos hasta entonces. Algo así como que la boca no está en su justo lugar ó que un ojito se salió de su posición óptima, o tal vez la cara está algo chueca; en fin, el espejo te ayudará para ajustar al máximo.

      3).-Al agrisar ten especial cuidado con las líneas de expresión de las mejillas.

Estas aunque deben ser protagonistas, no deben ser muy marcadas, más bien sutiles, suaves y y esfumadas. Marcarlas mucho le aumentaría la edad abruptamente a Mena.

       

       4). Es muy importante que durante tu progreso puedas identificar bien los tonos; hasta los más sutiles o ambiguos; esos que se parecen, pero que no son iguales, así como esos otros que aparentemente no son iguales pero que en realidad si son muy parecidos. Compruébalo  en este mini-video.

      La clave para aprender a diferenciar y relacionar tonos está en el entrenamiento visual. Solo a base de ejercicios continuos de comparación, observación y ajuste se logra desarrollar ese ojo clínico para entonar, igual que un músico con oído entrenado puede afinar su piano o violín distinguiendo las notas y acordes.

     

      Con el fin de encaminarte en esta parte del proceso he indicado en la siguiente lámina dos tonos que aunque parecieran diferentes, son casi iguales. Estúdialos.

      5).- En ciertos momentos y particularmente cuando trabajes con la nariz, te voy a aconsejar que apliques el siguiente truco secreto. Olvídate por un momento de que estás trabajando una nariz e intenta ver solo esa combinación de sombras y luces,( tonos) que la describen y dibújalas, con la mayor exactitud posible. Trata de replicar hasta los más sutiles grises. Verás cómo alternando esta forma de observar distinta a la habitual, lograrás desarrollar esa habilidad para anotar tonos más rápidamente, que dicho de otra manera no es otra cosa que mejorar tu capacidad para dibujar.

Cómo dibujar un Retrato a Lápiz ( Paso a Paso) 1

Cómo dibujar un Retrato a Lápiz ( Paso a Paso) 2

Cómo dibujar un Retrato a lápiz ( Paso a Paso) 3

Cómo dibujar un Retrato a Lápiz ( Paso a Paso) 4
Cómo dibujar un Retrato a Lápiz ( Paso a Paso) 6 Final

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Cómo dibujar frutas con lápices de colores

Los lápices de colores son un medio de expresión artística muy amable; es realmente muy sencillo dibujar y colorear con ellos, por algo los niños los utilizan mucho en el preescolar.

Si eres principiante te invito a que realizes este ejercicio, te resultará muy gratificante comprobar el nivel artístico que puedes lograr, aun sin tener mucha experiencia y si eres avanzado pues sabrás muy bien de lo que estoy hablando. 

Te presento un adelanto en gráficos y por supuesto el video.

Empezamos haciendo un esbozo de las frutas con el lápiz azul.

Los colores que utilizaremos serán:

El método para colorear con lápices de colores consiste en aplicar con achurados suaves y tibios los colores buscando desde un principio la aproximación a los colores del modelo, (como se ve en el gráfico); gradualmente se van subiendo de intensidad hasta alcanzar los tonos y matices finales. Recuerda esto: Siempre se colorea de un modo general, es decir todo a la ves.

Es importante que tus lápices tengan puntas afiladas en todo momento, yo utilizo el cutter para hacerlo, girando el lápiz con la mano izquierda mientras le doy forma a mi punta. Más o menos te debe quedar así.

Vamos reafirmando los colores, poco a poco, realzando texturas y buscando nuestra propia expresión artística.

Y este es el resultado final:

Y aqui está el video.

Materiales básicos para empezar a dibujar

El Lápiz

Desde que empecé con mi inquietud artística, hace ya algunos años, mi instrumento favorito para dibujar siempre fue el lápiz de grafito, y hasta la fecha puedo concluir que sigue siéndolo. La razón principal es creo yo, su gran mansedumbre y versatilidad. Se controla con mucha facilidad y puedes usarlo para dibujar cualquier cosa; es económico y lo consigues en cualquier papelería.

Otros materiales como los carboncillos, minas, contés, cretas, marcadores, etc;  son muy buenos pero por lo general son algo más exigentes en su manejo, además de que cada uno tiene su función muy particular, más bien podríamos considerarlos complementarios; útiles para enriquecer el trabajo artístico, no para que los use quien empieza a dibujar.

Es importante saber que en el mercado encontramos lápices con distintos grados de dureza, que van desde los muy suaves hasta los muy duros. A los lápices suaves se les asigna la letra “B”, mientras que a los duros la “H”.  Se venden regularmente los suaves: 8B, 7B, 6B, 5B, 4B, 3B, 2B, B, HB; y, duros: 2H, 3H, 4H, 5H, 6H, o hasta 10H. algunas marcas manejan la gradación "F", que la verdad no le noto gran diferencia con un HB, así que solo tómalo en cuenta.

Cada lápiz tiene un uso específico según su grado de suavidad o dureza; los H se utilizan bastante para trabajos lineales, tipo arquitectónicos. Mientras más fino y sólido se requiera el trazo pues más duro deberá ser el lápiz, un 6H, por ejemplo es bueno para hacer líneas muy firmes y finas, aunque grises. Los suaves son los que se usan para dibujo artístico, y el artista elegirá el número según sea su intención. Un 9B, por ejemplo se extiende con facilidad sobre el papel y ennegrece muy densamente el área en donde se aplique; ambas cualidades muy apropiadas para hacer bocetos artísticos, como puedes ver en este ejemplo.

Para el que empieza a dibujar el más recomendable será el de gradación HB, que es de una consistencia yo diría que estándar, es decir, no es ni muy suave pero tampoco es duro; Porque es el más recomendable?, bueno pues porque gracias a esta cualidad, digamos “neutra” podemos darnos el lujo de cometer bastantes infracciones con él antes de que arruinemos un trabajo intentando dibujar bien. El lápiz HB, es el mejor alcahuete del  principiante tolerándole su descontrolada inexperiencia al no maltratar ni ensuciar tanto el papel.

Así que empecemos con un HB, “El mejor amigo del principiante”. Que marca?, creo que deberás probar varias hasta encontrar la que más te guste, ya que varía la consistencia según la marca, solo procura que no sea de mala calidad porque en los muy económicos sencillamente la mina suele quebrarse continuamente. Si puedo recomendarte unos, a buen precio y de excelente calidad sin duda serán los Derwent. Los hay en estuches  y sueltos, aunque si pedes hacerte de un estuche será mejor pues la gama de gradaciones estará completa. Checa este. Es mi favorito. 

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El papel para el principiante

Si buscas información sobre cual papel es el idóneo para empezar a dibujar, seguro encontrarás muchas recomendaciones; marquilla, fabriano, guarro, ilustración, canson, bla, bla, bla, o que se yo, existen infinidad de opciones, pero mira; déjame aconsejarte lo siguiente. El que empieza a dibujar no necesita un papel especial, solo necesita un papel en el que el lápiz de grafito se desplace bien, y si es barato mejor...

Papel Bond en paquetes de 500 hojas cada uno

... pues lo usará para hacer dibujos de practica, (los profesionales les llamamos bocetos); utilizando solo sus lápices de grafito. Para trabajos finales y ya con un poco más de experiencia podrá pensar en trabajar en papeles especiales de mayor precio y calidad. 

Siendo así, mi recomendación ideal es el papel bond; tiene una textura estandar, es decir no muy rugosa ni muy lisa, perfecta para agarrar bien el lápiz; te permitirá borrar con bastante tolerancia antes de ensuciarse o romperse, es de un blanco muy intenso y por supuesto, es económico. Una cualidad muy importante es su opacidad, lo que te permitirá dibujar por ambas caras. Como verás, no por capricho es el papel utilizado en la fabricación de las libretas escolares.

*Nota: Por favor, evita los papeles satinados (brillantes) o lisos, como son la opalina, el couché o la cartulina bristol, el grafito no se desplazará nada bien en ellos y lo peor, borrar puede significar un desastre pues la goma se patinará arruinando cualquier propósito de corrección. Y por supuesto tache para los rayados o cuadriculados, sus líneas y cuadros solo harán ruido a tu visión artística.

Ahora te diré como usarás tu papel bond.

El tablero de dibujo

Necesitarás hojas tamaño carta, ( pueden ser de otro tamaño, claro, pero creo que este resulta bastante cómodo para empezar a dibujar). Las puedes comprar en paquetes de 100 o hasta de 500 hojas; de preferencia mínimo de 75 g/m2, ( no muy delgado, ni muy grueso), pero también las puedes obtener reciclando; es decir, tomándolas de aquellos trabajos escolares que imprimiste el año pasado y que aunque estén impresas de seguro tienen el otro lado limpio; o de esas libretas usadas que dejaste o que dejó tu hermano(a) por ahí, con hojas que nunca utilizaron, solo despréndelas con cuidado; no las arranques!.

Si haz decidido comprar tus hojas bond, da clic aquí para que adquieras tres paquetes de papel bond de 500 hojas, (1500 en total), por amazon al mejor precio/calidad. Tendrás hojas para rato.

Ahora móntalas sobre una tabla de MDF, madera comprimida o triplay, sujetándolas con pinzas sujeta-hojas, tal y como se ve en la foto. ( Monta todas las que tus pinzas sean capaces de sujetar).

La tabla puedes conseguirla en una carpintería, debe medir por lo menos 30 cm x 24 cm, y tener un grosor de 3 mm. Las  pinzas las consigues en papelerías de artículos para oficina.

Y ya tienes el cuaderno ideal para empezar a dibujar, OJO!!! mesa de trabajo incluída, ( la tabla).

Este sistema es muy versátil, gracias  a la tabla puedes dibujar siempre sobre un buen soporte prescindiendo así del escritorio o mesa de trabajo;  puedes quitar y poner hojas cuantas veces quieras y nunca se te acabará el cuaderno.

Los dibujos que vayas haciendo los puedes ir guardando en un folder para luego archivarlos y hasta coleccionarlos. Funcional, no? Yo en lo personal tengo como 5 tableros así.

Alterno a este genial artilugio puedes también usar el clásico block de dibujo escolar de cartulina marquilla. Usa el que tiene base o soporte rígido, No el de espiral,  y que sea de preferencia de una medida algo grande;( 60 cm x 40 cm es muy bueno). Te servirá muy bien para hacer tus primeros trabajos finales. Aun no te involucres en probar otros papeles, ok?, .

Block escolar de cartulina marquilla montada sobre
cartón rígido. Medida: 60 cm x 40 cm

Tip: Cuando te acabes las hojas del block puedes utilizar la base rígida como soporte para nuevas hojas de trabajos grandes que vayas a realizar, solo añádele las pinzas para sostener tus hojas, colócalo en tu caballete y listo! A dibujar. Mira en esta foto uno de mis soportes grandes.

La goma de borrar para el artista

Todo dibujante obviamente necesitará de una goma, si; requerirá constantemente de ese material salvador de errores. Pero, cual es la mejor de todas? ¿como la debo usar?
y... ¿ Solo nos servirá para corregir errores, o puede servir para algo más ?

Antes de responder a estas preguntas debo decirte que el profesional usa la goma poco para corregir errores, sino más bien para ajustar trazos y sobre todo para lograr efectos en sus dibujos; pero bueno, si eres principiante no tendrá nada de malo que la uses más que nada para corregir y corregir; úsala para borrar lo que no te haya salido bien todas las veces que sea necesario, de cualquier modo, irás poco a poco descubriendo lo fabulosa que puede ser tu goma para otras cosas que no sea solo corregir. No eches en saco roto esta observación para que desde el principio pienses en la goma  como un instrumento útil de dibujo, y no solo para corregir errores.

Aclarado este punto pasemos a responder las preguntas. En principio te recomendaré tres tipos de goma, la de migajón comprimido, la goma dura y la goma estrella, la goma moldeable. 

Todas son muy recomendables y las podrás usar según sea tu intención artística. Veamos como las uso.

 La goma de migajón

Típica goma de migajón comprimido. Hay otra que es de migajón suave y esa no nos sirve de mucho ya que se desbarata con mucha facilidad.

De todas las gomas que circulan en el mercado concluí que esta es una de las mejores para el dibujo artístico. La gran mayoría han sido concebidas para usarse más bien en la escuela o en la oficina como correctores de texto.

Algunas borran el grafito y otras la tinta del bolígrafo (no del todo), pero ciertamente lo hacen de un modo bastante tosco y tal vez hasta agresivo. Es fácil ver como muchas de estas gomas raspan tan duro el papel que llegan a rasgarlo o incluso hasta romperlo.

Clásica goma dura de caucho ( escolar). Los niños las usan para coregir su escritura a lápiz (parte roja) o de bolígrafo (parte azul). No sirve para el arte de dibujar

Otras gomas simplemente ensucian de inmediato el papel embarrando más que borrando. Esas de plano son inservibles para el artista. DESCARTÁLAS!

Estas son algunas de las gomas menos recomendables par el artista. Es probable que las conozcas.

La goma de migajón es más amable, borra limpiamente y manejándola con cuidado no maltrata el papel. Úsala para limpiar amplias áreas de tu dibujo, solo barre los residuos del borrado con un cepillo especial para dibujo que consigues en las papelerías de arte.

Este es el cepillo ideal para borrar los residuos de la goma

Tip: Cuando tu goma ya esté muy negra o sucia, la puedes limpiar fácilmente frotándola contra  una lija mediana. 

La goma dura negra 

Esta goma me viene a colación por una razón importante, en principio, al ser dura puede ser que no sea muy útil para borrar amplias zonas, es más, no le encontré la utilidad para borrar nada, más bien, y ahi te va mi truco, descubrí que podía rebanarla y adecuarla a un manguillo para así tener ese magnífico instrumento para dibujar borrando; el lápiz goma. o mejor conocido en el medio como el Tombow, famoso. Así es mi amigo(a) artista, como ya había comentado, la goma sirve para algo más que para borrar o corregir errores; los profesionales la usamos también para dibujar luces y para reducir y atenuar valores. Por ello, en el mercado podrás encontar lápices goma (Tombow), para tal especialidad, incluso algunos incorporan un cepillito en su otro extremo para retirar residuos, pero creo que con la opción que te sugiero, tendrás un excelente lápiz goma, digno competidor de los tombow mas efectivos. Checa en la imagen, abajo, como fabriqué el mío. La marca de goma que utilizo es sabonis.

La goma moldeable

Esta es mi favorita, especial para artistas, checa sus cualidades: borra limpiamente, sin manchar tu dibujo ni embarrar el lápiz; incluso borra carboncillo, no deja residuos, borra perfectamente y la puedes moldear como si fuera plastilina para adecuarla a la zona deseada por pequeña que esta sea, cualidad ideal y única para quienes buscan lograr efectos de luz, y texturas, y si esto no fuera suficiente, no maltrata el papel, por más duro que le des a tus borrados.

Definitivamente esta goma la debes tener y usar. Nota: la encuentras en papelerías especializadas.

Portafolio portadibujos

Recuerdas cuando en el apartado referente al papel hablaba de archivar tus dibujos?, bueno pues el portafolios de dibujo que te muestro en la fotografía es el contenedor idóneo para ello. Puedes guardar dibujos terminados o a medio hacer de unos 60 cm x 40 cm o un poco más grandes.  En este portafolios se mantendrán seguros y bien cuidados, y claro, los puedes transportar para presentarlos a quien quieras. Que tal? También puedes guardar hojas limpias de reserva para montarlas luego en tu tabla. La tabla misma cabe en él, pues tiene un grosor de unos 4 cm. 

Características extras: Es de plástico, sin divisiones y con broche a presión. Es de bajo precio y lo encuentras en papelerías especializadas en arte y dibujo.

El Sacapuntas o el  cutter? Para afilar tu lápiz. 

El sacapuntas es muy conocido por todos, quien no lo usó en los trabajos de la primaria?,

Sin embargo no lo recomiendo como el instrumento ideal para afilar nuestro lápiz, prefiero el cutter y ahora te diré porque.

El sacapuntas solo te permite obtener un tipo de punta, no la puedes cincelar  a tu gusto. A lo mejor si eres principiante esto te parecerá irrelevante pero conforme vayas adentrándote en la práctica del dibujo, te volverás más exigente y es muy probable que cambies ese rígido instrumento por el cutter que si te permite lograr la punta que desees.

Cutter de navaja de 9 mm para artistas.

Lo más recomendable es, sin embargo que inicies con el sacapuntas ya que el cutter requiere habilidad para manipularlo adecuadamente, incluso puede resultar riesgoso. Te recomiendo que sigas mi tutorial sobre cómo debemos usar el cutter para sacarle punta al lápiz.

Tip: tu sacapuntas debe ser de buena calidad, metálico de preferencia. Los de plástico suelen ser malos y pueden quebrar continuamente tus puntas. El cutter debe ser de navaja delgada (9mm).

Lápices de colores y marcadores

Como principiante, es muy probable que no solo quieras practicar con el lápiz y te inquiete sobremanera el experimentar con el color. Por ello creo que los lápices de colores son definitivamente la mejor elección. Son sumamente amables, igual que el lápiz pero con el ingrediente extra del color. Genial, no? Prueba con ellos. Sigue este link para dirigirte a un magnífico tutorial en donde te explico como  pintar un llamativo cuadro con lápices de colores que te dará una idea muy detallada sobre cómo puedes utilizarlos.

Y, Si tu inquietud es extrema y adictiva hacia el color, creo que puedes entonces también probar con marcadores o hasta bolifgrafos de colores, que son bastante controlables y te brindan brillantes y potentes colores, solo que toma en cuenta que estos son más comprometedores y no admiten correcciones. 

Un último consejo: Recuerda, eres principiante así que por favor no intentes probar los medios avanzados, como el óleo, acrílico o la acuarela. Estos requieren práctica y más conocimiento del método y técnicas;  podrían generarte más frustración que satisfacción, se paciente y ve paso  paso. Puedes llegar muy lejos.

“El peor enemigo del artista es el miedo al fracaso. Enfréntalo, y explota tu talento”.

Cómo pintar un retrato al óleo ( Paso a Paso) H.Lugo

Que tal amigo artista, en esta ocasión te voy a mostrar como pinté el retrato del ex gobernador de Hidalgo, Humberto Lugo Gil al óleo, tomado de una fotografía, para que con entusiasmo y siguiendo mis consejos intentes pintar el tuyo.

En este caso en particular se me presentó el problema de que la foto que me dieron estaba en blanco y negro y el retrato debía ser a color, así que tomé otra del mismo personaje a color que me sirviera de referencia cromática. 

Espero que si te animas, elijas una foto a color y por supuesto de buena calidad para evitarte este doble problema.

Ok, vamos a empezar y como normalmente lo hago en mis tutoriales, te iré explicando paso a paso el proceso que seguí, incluyendo la lista de materiales que debes usar, así como algunos tips extras. Suerte amigo artista y espero tus comentarios.

Materiales:

Un lienzo montado sobre bastidor de madera de 1m x 80 cm

Pinceles: Estos son los pinceles que te recomiendo; como podrás ver en la fotografía los he numerado para que te des una buena idea de como son.

1.- Pincel plano de pelo de buey del número 20, ( 2 cm)

2.- Pincel plano de cerda dura, No. 20

3.- Pincel plano de cerda dura en abanico, No. 8

4.- Pincel plano de cerda dura No. 8

5.- Pincel plano de cerda dura No. 7

6.- Pincel plano de cerda dura No. 5

7.- Pincel redondo de cerda dura, No.4

8.- Pincel redondo de cerda dura, No.2

9.- Pincel plano de cerda dura, No.4

10. Pincel plano de punta redondeada  de cerda dura, No.8

 

Los colores al óleo que utilizarás son los siguientes:

1.- Sombra tostada (tubo de 160 ml)

2.- Siena tostada (tubo de 40 ml)

3.- Amarillo ocre ( tubo 40 ml)

4.- Blanco de titanio (tubo de 160 ml)

5.-Negro de marfil (tubo de 40 ml)

6.- Azul de prusia (tubo de 40 ml)

7.- Rojo carmín (tubo de 40 ml)

Otros materiales que necesitarás son: aceite de linaza, aguarrás destilado, thinner, un jabón sólido para lavar ropa, platos desechables de plástico, trapos ó papel desechable, frascos y godetes.

Paso 1.- Fondeado del lienzo

Empecemos por fondear la tela con un color marrón obscuro que nos servirá de base. La mezcla para preparar este color es la siguiente: Sombra tostada (60%), Rojo carmín ( 15 %), Negro de marfil (25%).
*Las proporciones son aproximadas así que te recomiendo busques a buen “ojo” lograr el *matiz más próximo.

 

Aplica generosamente el color con tu pincel plano de cerda dura del No.20, cubriendo toda el área del lienzo y de manera uniforme y deja secar.

Paso 2.- Transporte del dibujo al lienzo.

Vamos a dejar esta base secar unos dos días, asegurándonos de que ya no manche nada.

Ya bien seca, vamos a hacer el transporte del rostro a la tela; para ello te doy el siguiente tip para que te resulte más fácil que dibujarlo directamente: dibuja a línea el rostro de la fotografía. Trata de hacerlo lo más preciso posible para que no afectes el parecido y también cuida la proporción ajustando la escala del dibujo al tamaño del lienzo. Puedes hacerlo con un plumón negro fino.

 

 

Una vez teniendo este trazo llévalo a imprimir al tamaño final (en ampliación) a un lugar de servicios de impresión. Pide que lo hagan sobre papel bond obviamente en blanco y negro y verifica tus proporciones para que no te vaya a quedar o muy grande o muy chico.

Ahora cálcalo directamente sobre tu lienzo utilizando para ello papel calca amarillo, lo que te permitirá que se note bien pues recuerda que lo estás haciendo sobre fondo oscuro.

Así ya tienes tu trazo del dibujo a línea sobre el lienzo.

Paso 3.- Dándole base de color al lienzo (Manchado general).

Primero que nada aplica una capa muy delgada de aceite con tu pincel de pelo de buey en toda el área del rostro y del traje, esto se hace para que al aplicar el color la pintura resbale mejor.

Ahora vamos a preparar tres mezclas: necesitamos entonces tres platos desechables para hacer  tres mezclas diferentes. En el primero (1) coloca siena tostada, amarillo ocre, blanco y rojo carmín, en el segundo (2), azul de prusia, sombra tostada y blanco, y en el tercero (3) azul de Prusia, blanco y negro. Utiliza tus pinceles planos de cerda dura de los números 8 y 7.

El rostro: Con tu primera paleta, la del plato (1) empieza por mezclar los colores, (Siena tostada, amarillo ocre y blanco; obtendrás * matices tendientes al color carne natural. El rojo carmín lo añadirás después en muy pequeñas cantidades y solo para realzar mínimos detalles como en la boca y en los ojos. Busca en tus mezclas la más certera aproximación a los *matices y *tonos del rostro, (no consideres el cabello). El éxito en este proceso dependerá mucho de tu habilidad y capacidad de observación, así que esfuérzate al máximo.

Pinta con tu pincel plano del No. 8, y hazlo con pinceladas amplias, no detallando nada  y maneja mezclas algo espesas, lo suficiente para que cubran bien el fondo.

El cabello: Para pintarlo usa los colores del plato (2) sombra tostada y azul de Prusia para las zonas oscuras y luego añades el blanco en pocas cantidades a la mezcla para cuando quieras pintar las luces.

El traje, la camisa y la corbata: Con los colores del plato (3), azul de Prusia, blanco y negro prepárate un gris frío algo azulado que irás modulando para pintar el traje, buscando conseguir los diferentes valores tonales del traje.
La corbata: Después de que hayas terminado de pintarlo adelgaza un poco el color negro con aceite y añádele un poco de esa misma mezcla gris,( en donde haya de la más oscura y en el mismo plato, claro), para que obtengas un negro gris muy pero muy oscuro, y pinta la corbata que como podrás notar no debe pintarse con el negro directo, de hecho, haciendo un paréntesis en esto, te comento que el negro rara vez se aplica directo; yo siempre lo evito, procurando pintar los matices más oscuros con mezclas de negro y otros colores. Mi maestro nos decía al respecto que si pretendías aplicar el negro directo, únicamente ibas a lograr hacer un hoyo en tu obra; bueno, continuemos.
Al pintar la corbata con tu color oscuro pinta sobre la marcha y fusionando una franja de azul de prusia aclarado con blanco para lograr el brillo, que puede quedar bastante realista desde este paso; checa la imagen.
La camisa: agrega un poco del gris azulado del traje a una cantidad generosa de blanco para lograr un blanco agrisado que modularás según los tonos de la camisa. Como con el negro, el blanco tampoco se aplica directo, excepto en algunas zonas  de total luminosidad pero esa es otra historia, por el momento así te quedará bien.

En este momento puedes hacer un ajuste de todo esto sin agregar más pintura, solo acomoda

la que ya aplicaste

El  micrófono: este lo vas a pintar con los colores del plato(3) azul de Prusia, blanco y negro buscando grises solo que en este caso la cantidad de azul de prusia que usarás es mínima ( el blanco y negro deben predominar),por lo que los grises que obtendrás deberán ser más secos , más hacia el gris puro, más hacia el blanco y negro. ok? Ahí vamos.

Paso 4.-Envolviendo el avance

Una vez hayas completado la aplicación de los colores de base vas ahora a envolverlos todos. Esto quiere decir que  vas a cerrar todos los espacios del fondo que hayan quedado sin pintar. Para ello usarás tu pincel de pelo de buey que tiene cerdas muy suaves que no alteran las pinceladas pasándolo con suavidad por todo lo pintado cubriendo esos espacios del fondo que se ven tan duros. Cuida de no alterar lo ya pintado para no distorsionar las pinceladas que con mucho esfuerzo aplicaste. De vez en cuando limpia tu pincel de la pintura que se le vaya acumulando. Aclaro. En este paso no vas a pintar nada, se trata de un proceso de distribución  o acomodo de lo ya pintado, ok?

 

En estas dos imágenes puedes apreciar muy bien la diferencia entre la aplicación del color "crudo" y cuando ya se le ha dado la envoltura con el pincel de pelo de buey. Se ve más afinado y limpio, no?

 

Paso 5.- El Modelado

En primera instancia, debo indicarte que de aquí en adelante seguirás utilizando el mismo patrón de colores, no agregarás ni quitarás ninguno y por supuesto tus tres platos, el del rostro(1), el del cabello(2) y el del traje, camisa, corbata y micrófono(3),  más el de los colores del fondo,(sombra tostada, rojo carmín y negro),  solo que estos platos claro, ya no serán los mismos, (por eso son desechables, no?). Los deberás reemplazar en cada sesión colocándoles color fresco. ok?. Trabaja con tu pincel de cerda dura redondo del No. 4, para aplicar color con precisión, combinándolo con tu pincel plano de punta redondeada de cerda dura del No.8 para expandirlo.

Nuevamente  hay que dejar secar lo pintado anteriormente dejando reposar tu pintura por lo menos de dos a tres días. Una vez bien seco empezaremos a modelar o como me gusta verlo a mí, empezaremos realmente a pintar. Vamos pues ahora a afrontar el cuadro con la intención de conseguir el mayor parecido posible del retratado y con el mayor realismo, para ello tendremos que ser aún más observadores y cuidadosos. Todo lo que ya hicimos hasta este momento deberemos verlo como una base consistente que nos irá guiando en la aplicación fina de los colores. Usaremos efectos de *veladuras y fusiones . Este es el secreto de los maestros, desarrollar una pintura a base de capas sobre capas que vayan “creciendo” gradualmente la obra. Ok? Prosigamos.

Vamos a trabajar en principio en el rostro, que representa el mayor desafío, también en el traje y en el micrófono dejando tantito atrás al fondo.

Deberás pintar con más cuidado que en el paso anterior cuidando mucho tus mezclas. De repente podrás ir fusionando con mayor delicadeza unos colores con otros.

 

Paso 6.-Tratamiento del fondo

El fondo tiene un tono y matiz que desde el principio se aproximaron mucho a su gama final, Sombra tostada (60%), Rojo carmín ( 15 %), Negro de marfil (25%) por ello seguiremos usando esta mezcla; sin embargo hay que darle más luz y textura, para ello haz lo siguiente: con esta mezcla pinta un degradado de oscuro a claro que vaya desde la parte externa del lienzo hacia el centro. Usa tu pincel plano de punta redondeada de cerda dura del No.8 para expandirlo bien.

Para aclarar y oscurecer solo varía las cargas añadiendo o restando negro. Cuida mucho de no aclarar demasiado pues esto iría en detrimento del contraste con el retrato.

El efecto de texturas lo puedes lograr con pinceladas cruzadas. Deja secar por completo y luego en nueva sesión y nuevo plato prepararás una mezcla de amarillo ocre combinado con siena tostada para obtener un naranja quemado oscuro con el que le darás la luz que rodea el rostro. Aplica este color con tu mismo pincel plano de punta redondeada y luego con tu pincel de abanico expándelo buscando texturas tipo flameadas, verás que es muy fácil y divertido hacer esto.

 

                            Así queda el fondo una vez le hayas aplicado el color naranja para aclararlo.

Paso 7.- Detallado individual de las partes del rostro y acabados.
De aquí en adelante, el cuadro debe mostrar un avance tal que solo será cuestión de ir afinando detalles y dando acabados, siempre siguiendo el mismo esquema de colores, y el método de capas sobre capas. Normalmente los pinceles que usamos en estas etapas avanzadas son los finos como el redondo del No. 4, el redondo del No. 2 y el plano del No.5; de todos modos es tu decisión usar los que te vayan acomodando más.
Te recomiendo que en cada sesión que inicies te asegures de que lo pintado anteriormente esté perfectamente seco y al finalizar y según lo vayas viendo conveniente envuelvas lo pintado con tu pincel pelo de buey.

Paso 8.- Acabado y firmado.
Cuando ya estés convencido y satisfecho con tu avance que puede ser de cinco o seis sesiones más, entonces obsérvalo una vez más y fírmalo.

Bueno, hasta aquí creo haber cubierto en general la explicación, deseo de corazón que te sea muy útil y te recuerdo que no dejes de enviarme tus comentarios y por supuesto te invito a que te subscribas a mi blog...y, que viva el arte .


Definiciones importantes:
Matiz: es el color natural o puro de las cosas, por ejemplo, la manzana es roja, las hojas del árbol son verdes.
Tono: Es la luminosidad u obscuridad de un color que va de lo más claro, ( blanco) a lo más obscuro( negro).
Veladura: Es una técnica en la que un color es diluido mucho con aceite con el fin de que
al aplicarlo se aprecie transparente y permita ver el color que hay debajo.
Fusión: es la interacción entre dos o más colores en el cuadro. No es lo mismo que la mezcla pues la fusión se logra solo sobre la tela dando gradaciones entre colores que pueden ser muy sutiles.