Cómo pintar un paisaje al óleo ( trabajo en clase) 2

Hola amigo artista, antes de continuar con este tutorial sobre como pintar un paisaje al óleo basándonos en el ejercicio en clase, permíteme recordarte que en la entrada (1) expliqué que debíamos iniciar con una serie de bocetos al carboncillo y al tamaño para estudiar formas y tonos, esto con el fin de irnos familiarizando con el tema. Ahora, en esta segunda entrada sobre el particular entraremos de lleno a ver como mis alumnos resolvieron el resto de la pintura, así que prepárate para que si es tu deseo puedas también, al igual que ellos pintar esta escena de árboles con lago al óleo.

Una ves que los alumnos ensayaron su modelo y ya muy familiarizados con las formas
les indiqué que dibujaran con el carboncillo su sketch en la tela. Les pedí que solo dibujaran razgos generales, tales como los troncos de los árboles, el lago y algunos trazos que sugirieran el pasto y las nubes. Aquí  podemos ver como Estelita está muy concentrada  haciéndolo y ciertamente muy bien.

Que colores vamos a utilizar?

Empezamos armando dos paletas de color, una fría y una cálida, porque en éste como en casi cualquier cuadro a color, siempre tendremos dos cualidades cromáticas perfectamente definidas, una cálida y otra fría. 

Elegiremos los colores para cada paleta que nos permitan aproximarnos lo más que se pueda a la gama cromática del modelo.  Esta elección requiere cierta experiencia
por lo que en este caso y para facilitarles el trabajo, ayudé a mis alumnos a seleccionar los suyos.

Las paletas se compondrán de los siguientes colores:

Paleta fría: (Azul cobalto, sombra tostada, blanco y negro).
Paleta cálida: (Azul cobalto, nuevamente, amarillo medio, siena tostada, laca naranja 
y blanco).

Colores extras de refuerzo: sirven para intensificar el matiz de un color o para generar una tendencia cromática. Ya veremos mas adelante cuando y como entran en acción. Estos serán el verde viridian, el violeta y el azul cerúleo.   

Ahora bien, el verdadero desafío consiste en como utilizaremos ambas paletas. La clave está en que a partir de la mezcla calculada de todos los colores de cada paleta, podamos conseguir todo el abanico de color del modelo, combinándolos en diferentes
proporciones. Nunca deberás combinar los colores de una paleta con la otra pues esto afectaría la temperatura de color gravemente.

Considerando esto te diré que en casi todos los casos en que tengas que preparar un color, el que sea, te recomiendo utilizar todos los de tu paleta, de este modo tus colores siempre estarán en armonía cromática, por ejemplo: si tu intención es componer un verde cálido para el follaje,  y los colores de tu paleta cálida son rojo, naranja, amarillo y verde, tu verde deberá contener como base, obviamente, el verde pero también algo de rojo, amarillo y naranja;  el verde resultante será quizá algo terrozo, pero armónico finalmente.

Ambas paletas se complementarán pero siempre procuraremos trabajarlas en recipientes separados, a fin de evitar mezclas erróneas de colores, ( ve la foto), que se pueden generar por contaminación de pinturas volviendo inservibles nuestras mezclas. Un ejemplo sería que por error se contaminara un color cálido con el sombra tostada o el negro de la paleta fría, porque estos colores promueven oscuridad y regularmente los colores cálidos no son tan oscuros.


Nota. Muy rara ves el negro se aplica directo, por lo general para lograr oscuridades densas se mezcla con sombras o con azules.

                                                    Paso 1. El manchado 

El método para pintar consiste en aplicar la pintura en capas, ( capas frescas aplicadas sobre capas secas), empezando con una primera capa de manchas amplias que tengan solo la intención de cubrir la tela en su totalidad con colores aproximados a los finales

tanto en matiz como en tono. 

Notas: Prepara tus colores rebajándolos con suficiente aceite de linaza para que la pintura se pueda expandir con cierta agilidad y se puedan cubrir amplias zonas del cuadro de una sola pincelada. Ten a la mano papel de baño para limpiar tus pinceles con regularidad y  trabaja con un pincel plano de cerda dura para óleo del numero 18.

Al manchar no deberás detenerte en las sutiles variaciones de matiz y tono que puedas apreciar por ahí, como por ejemplo ese ligero tono violeta que se ve por aca, o ese extraño verdecito mas claro que se aprecia por allá, o tal ves ese azulito muy raro que no entiendo como se lograría, por acullá. Por favor, insisto, esas variaciones ignóralas por el momento, mancha, mancha todo de una ves. Insistir en resolver el cuadro de una sola ves
puede llevarte a la frustración más rápido de lo que te imaginas, por eso te recomiendo seguir al pie de la letra los pasos, tal y como lo hicieron mis alumnos. Lo más recomendable es que este primer paso lo resuelvas en una sesión, posteriormente se irán agregando capas nuevas cada ves mas ajustadas al resultado final. 

Iniciaremos con las zonas frías. que son las sombras y luces del lago y el cielo. Mezclando azul cobalto y sombra tostada buscaremos conseguir un café muy oscuro con el que mancharemos las sombras en el lago y de una ves las partes más oscuras de los árboles.

Luego pintaremos el cielo y la parte clara del lago; en ambos casos tenemos azules claros pero...ATENCIÓN!!! mira como estos son diferentes, por ello es muy importante que sigas al pie de la letra esta secuencia: empieza por el cielo, componiendo el azul con una mezcla de azul cobalto con blanco, cuidando de no contaminar esta mezcla con el sombra tostada; una vez lo hayas pintado agrega, ahora sí, pequeñas cantidades, mínimas creo yo de sombra tostada para que ese mismo azul ahora se torne algo grisáceo, y con este pinta la zona clara del lago.Se ven distintos, verdad?, Insisto, no te preocupes mucho por las sutiles variaciones de colores tanto en el cielo como en el lago. Solo preocupate por cubrir el área, en un paso posterior los matizaremos aproximándonos al modelo, Ok.?

Trabajando ahora con la paleta de colores cálidos.

Paleta cálida: Azul cobalto, nuevamente, amarillo medio, siena tostada, 
laca naranja y blanco.

Con esta paleta ( cálida) cubriremos el resto de la tela, y así acompletamos el primer paso. Los colores, como ya dijimos se colocarán en recipiente aparte, separados de los de la paleta fría, para evitar contaminaciones. 

Recuerda, el órden es muy importante, tanto en el proceso como en el manejo de los materiales.

Con el siena tostada, el amarillo medio y  blanco preparamos un color ladrillo algo terroso, rojizo y pasteloso con el que pintaremos las partes del pasto que tienen una coloración mas o menos así, (segun el modelo), tal y como lo está haciendo aquí el buen Andrés.

Una ves hayamos manchado esas zonas, a este mismo color le agregaremos algo de azul cobalto  y amarillo medio para volverlo verdoso y con este nuevo color cubriremos más áreas de pasto que en el modelo se aprecien así, verdosas. 

Y así, sobre esta dinámica de preparación de colores, iremos avanzando nuestro manchado, agregando más azul, restando siena, subiéndole al amarillo, agregando un poco más de blanco o un poco de laca naranja, etc., vamos obteniendo nuevos y variados colores sin salirnos del esquema de armonía cromática.

Podemos, por ejemplo preparar naranjas terrosos, verdes azulados, algunos mas oscuros, otros más claros o incluso mas amarillentos, según lo dicte el modelo y los aplicamos hasta cubrir el área  en su totalidad, incluyendo ya un esbozo de las hojas de los árboles.

Nota; a manera de recordatorio, los troncos de los árboles,  el lago y el cielo se pintan solo con la paleta fría , así que no los debes trabajar con los colores de esta paleta.

Insisto también en que no pretendas aun lograr colores finales, estamos aproximandonos, y aun falta. chécate en estas fotos como justamente aunque se aprecia el cuadro aparentemente muy avanzado, aun carece de detalles.

Todos mis entusiastas alumnos manchando sus telas con ahínco.

Asi debe quedar el cuadro una vez finalizado
el manchado general.

Finalizando la sesión el cuadro debe quedar mas o menos así. 
Recomendación: Deja secar tu cuadro unos dos días antes de seguir aplicando más pintura.

Entonando y armonizando los colores

Matizando una zona en colores paja,
Unos más claros y otros más oscuros.

Una ves haya secado completamente el cuadro daremos inicio a la armonización de los colores, detallando al mismo tiempo las formas; para ello emplearemos nuestras dos paletas que ya definimos al principio solo que ahora añadiremos los colores extras para matizar y embellecer nuestra obra.

Así que empezando con la paleta cálida, ( siena natural, amarillo medio, laca naranja, azul cobalto y blanco), prepararemos colores, según se aproximen a los del modelo, tal
y como ya lo hicimos en la sesión anterior, solo que ahora si con mayor cuidado y buscando aproximarnos mas a los detalles y colores.

Nota: Esta vez usaremos muy poco aceite de linaza, pues se requiere que la pintura tenga una consistencia más pastosa para que sea mas manejable y mas cubriente en áreas pequeñas.Podemos pintar flores, hojas de los árboles, pasto crecido, por aca 
o por allá, etc. 

Y, Atención!!! en aquellas zonas en donde percibas violetas, o verdes mas intensos o diferentes añade a tus mezclas algo de violeta o verde viridian segun sea el caso.

En el caso del cielo necesitaras añadirle a tu mezcla de azul cobalto y blanco un poco del azul cerúleo ( de los colores extras) para darle mas viveza en esas zonas donde se vea así, pero no lo apliques directo, solo matiza.

Siguiendo al pie de la letra estas recomendaciones podrás obtener sin problema esos colores rojizos, colores paja, verdes, etc. sin agregar ningún color extra más.

Nota: Interrumpe eventualmente tu sesión y deja secar y descansar tu cuadro. Vuelve al otro día quizas a darle más avance. esta dinámica de trabajo de varias sesiones, ayuda mucho a mantener fresca tu mente pues es muy común que nos saturemos de información visual que nos nubla a veces la objetividad. 

Obra terminada de Rosy.

Y Listo!!!, finalmente te presento el cuadro terminado, que en este caso se trata
de la obra de Rosy. Todos los trabajos estuvieron excelentes solo que elegí el de Rosy porque fue la primera que corrió a enmarcarlo, y como podrás apreciar le quedo muy bien.

Espero te haya gustado mi tutorial y sobre todo que haya logrado inspirarte  para
pintar, sino este tal vez algún otro tema,me dará de verdad mucho gusto. 

No dejes de compartirlo y por supuesto dejo abierta mi invitación para que de vez en cuando visites mi blog. Te dejo mi frase de siempre...

"El miedo al fracaso es el peor enemigo del artista. Enfréntalo y explota tu talento"

...Y que viva el arte!!!
Como pintar un paisaje al óleo ( Trabajo en clase) 1

Dibujando con 4 lápices de colores

En la clase de dibujo realizamos este didáctico, divertido y artístico  ejercicio de dibujo a color. Dibujo que mis alumnos hicieron con tan solo cuatro lápices de colores. Se me ocurrió enseñárselos a raíz de que recientemente subí el  post en el que describí cómo es posible realizar un dibujo sumamente artístico con tan solo estos cuatro lápices. 

Más que agradarles les sorprendió a mis alumnos el resultado que obtuvieron. Estelita no podía creer que con tan solo 3 colores hubiese logrado tanto contraste y riqueza en el colorido. Pero eso era lo que yo buscaba, que comprobaran con su propia experiencia que si es posible lograrlo. A continuación te presento algunas de las obras.

Estos dos dibujos los realizó Zita con sus 4 colores. El de la derecha ya lo había hecho pero lo llevó a la clase para mostrármelo con el fin de que se lo evaluara, y pues luego de encontrarle algunas fallas le hizo varias correcciones. Y mira como le quedó al final. Excelente!.

 En esta foto podemos ver los materiales que Isabel usa para trabajar bien. Vemos un cutter con el cual sacamos punta a nuestros lápices y una brocha que sirve muy bien para "barrer" los borrados que ocasionalmente realizamos.

También podrás observar que dentro de su  caja de materiales tiene una cinta masking tape. Esta la utiliza para fijar sus dibujos a la mesa.

A propósito de la imagen anterior en donde Isabel nos muestra su cutter, se me ocurre mostrarte la manera en que debemos utilizarlo para sacarle punta a los lápices de colores. Como podrás ver, el lápiz debe sujetarse de tal manera que lo puedas ir girando. Con tu otra mano podrás irlo devastando mientras lo giras. Siempre dirigiéndolo hacia abajo.

Aquí vemos a Rosy analizando sus armonías de color que poco a poco va logrando
con sus lápices.

Después de un rato, Rosy queda más que sorprendida con el resultado. La riqueza de colores y armonía que logró entre ellos fue una tarea relativamente sencilla; simplemente hay que obedecer a la técnica, me comentó. Sus colores favoritos son los lilas y violetas, también me decía.

Este collie está quedando fabuloso. Checa como Estelita utilizó la cuadrícula para que su dibujo le quedara muy preciso. Esta la puedes usar pero solo en casos en que no desees esforzarte para copiar la imagen o cuando vayas a escalarlo a un tamaño muy grande. No recomiendo mucho sus uso si no es por algo así pero en este caso, lo que a Estelita y a mi nos interesaba era el color. Y vaya que aplicó bien la lección. solo observa su avance. La cuadrícula la puedes trazar en computadora e imprimirla en acetato transparente.

Mira como poco tiempo después Estelita levantó este dibujo. Sencillamente magnífico

le fue quedando. Recuerda, solo usó cuatro colores. Aquí los puedes ver, sobre su escritorio.

El faro que pintó Andrés posee una inconfundible frescura expresionista. Solo lograda

cuando el artista aplica su sensibilidad al máximo.

A Rosalía, al principio le estaba costando trabajo controlar esos lápices, parecían unos verdaderos necios; sin embargo, poco a poco fue domándolos hasta hacerlos lo suficientemente obedientes para lograr un gran resultado con esas flores.

Aquí te presento su trabajo. Que bien armonizó al final esos colores, y eso que aun le faltaba. De hecho en general todos los trabajos que te he presentado estaban aun en proceso, digamos que a un 50% de quedar terminados.

Y ya para cerrar este post, te presento esta toma abierta de todo mi grupo en plena

faena artística. Espero te hayan gustado sus trabajos tanto como a mí.

Hasta la próxima.

Cómo dibujar en perspectiva paso a paso( Lección 1)

Tomen nota amigos artistas de estas lecciones de perspectiva dadas por el maestro Ernest Norling que publico íntegramente ( Perspective Drawing ). 

Las he elegido porque definitivamente  son de lo mejor que podrás encontrar sobre el tema; sencillamente son extraordinarias. El maestro Norling con un lenguaje gráfico, muy preciso nos ayuda a entender con facilidad este,  a veces engorroso asunto de la perspectiva que; debemos de reconocer, es imprescindible dominar para dibujar y pintar correctamente.

Con estas lecciones no necesitarás saber más, claro a menos que seas arquitecto o ingeniero civil, supongo, pero en este caso tal vez este lugar no sea el más adecuado para tu inquietud artística.

En esta primera entrega podrás aprender los principios básicos para dibujar objetos en perspectiva, el punto de vista y el punto de fuga. Practícalos con mucha atención y repásalos cuantas veces sea necesario; te sorprenderás.

Espera el resto de la información pronto y como siempre reitero, “El peor enemigo del artista es el miedo al fracaso. Enfréntalo y explota tu inquietud artística”.



Portada del fascículo.

  Prólogo

Cómo dibujar en perspectiva.

El propósito de este tutorial es el de disolver los temores a menudo asociados con el dibujo de la perspectiva y proporcionar un conocimiento práctico de la asignatura.

He elegido objetos simples y diagramas sencillos para mostrar cómo se hace y por qué.

Cualquier persona que estudie cuidadosamente este tutorial encontrará, para su sorpresa, que conseguirá hacer un buen dibujo en perspectiva.

Muy Atentamente

Ernest Norling


 

 

 

Lámina 1

 Notas que diferente se aprecia un objeto dibujado en esquema plano y luego en perspectiva?. la diferencia es bastante apreciable, no crees?

Lámina 2

 





Lámina 3. Realmente con un poco de práctica puedes dibujar objetos en perspectiva fácilmente
si antes dibujas una caja que los contenga.

Lámina 4. El punto de vista y la línea de horizonte, van estrechamente ligados

Lámina 5. No importa en donde se encuentre el observador, la línea de horizonte siempre estará a la altura de su vista y le dará la pauta hacia donde se dirigirán las líneas de perspectiva de los objetos a su alrededor.

Lámina 6

Lámina 7. El punto de fuga, como ves, es justamente el punto en el horizonte hacia donde se dirigen todas las líneas de perspectiva de un objeto, siendo estas paralelas.

Sigue la segunda parte pinchando aquí