Como hacer esculturas con papel y pegamento (1)

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A finales del año pasado recibí un encargo muy interesante. Un cliente de México me preguntó si podría fabricarle dos esculturas.  Le dije que con gusto ya que además del dibujo y la pintura, también creo que se me da algo la escultura, así que le pedí que me explicara más a detalle qué clase de esculturas requería.

Me dijo que deseaba  regalarle de cumpleaños a su pequeño hijo de 8 años las esculturas de un toro y un torero ya que éste era aficionado de corazón a la fiesta brava; bueno, en este asunto no coincido, verdad?,  pero como era algo que no me concernía valorar o discutir, al menos para este encargo, me concreté a la parte artística. Le pregunté si el niño los tendría como decoración y él me dijo que si, que efectivamente los pondría en su cuarto pero que también sería bueno  que se pudieran desplazar para simular la lidia y el embiste,  y que fueran lo más grandes posibles, casi a tamaño natural para que pudiera, supongo prudentemente, jugar con ellos como si fueran de verdad. El plazo era quizá, el más desafiante de los requisitos; me daría muy poco tiempo para fabricarlas, dado que la fecha del cumpleaños estaba a solo semana y media. Pero me gustan los retos y después de valorar todo pues acepté.

Consideré, como primera opción hacer las figuras de unicel; poliestireno expandido, (o telgopor, así conocido en algunas zonas de Latino América), pero pensé que quedarían demasiado frágiles y el niño podría quebrarlas. La ventaja de este material es que es muy manejable, puedes hacer exquisiteces escultóricas blandiendo el cúter o la resistencia, además no es caro; que lástima que no serviría el unicel.

Descarté obviamente cualquier metal fundido por caro y pesado,  la fibra de vidrio por el costo  y pensé en el hule espuma;  muy liviano, resistente y económico pero rebelde para manipularse,  y yo no quería una botarga. No, ese quedaba descartado también.

Finalmente me decidí por el papel. Aquí en México es muy popular la realización de figuras de papel combinado con pegamento. A este material se le conoce como papel maché. Se utiliza para hacer desde piñatas hasta alebrijes, es muy económico y te permite mucha plasticidad; no cómo la arcilla o alguna plastilina, verdad? pero si resulta suficientemente manso como para permitirte trabajar formas a mucho detalle. Al endurecerse el papel con el pegamento este se vuelve  tan resistente y duro que por ejemplo,  las piñatas, que son para romperse a palos presentan dura batalla antes de ceder sus dulces, y por supuesto es ligero ya que las piezas acabadas normalmente quedan huecas.

Así que bueno, una vez definí el material, (punto clave), pude presentar la cotización que incluía tres bocetos pensados, justamente para poderlos hacer en papel maché.

El boceto 3 fue el autorizado. Mostraba movimiento y naturalidad,

A partir de este momento te iré describiendo paso a paso cómo fue que logre fabricar esas esculturas. Te revelaré algunos trucos,  (muchos de ellos fueron improvisados) para resolver problemas específicos, de tal suerte que si en un momento dado decidieras realizar tu propia escultura de características similares sería magnífico que mi tutorial te haya servido cómo guía.

Antes déjame hablarte un poco del boceto que me autorizaron, el No. 3. Debía respetar ante todo las poses, así que constantemente haría verificaciones al respecto. Podrás notar que propuse colocar las piezas sobre plataformas con ruedas giratorias como solución al asunto del desplazamiento. Aunque aún no tenía ni idea de cómo las fijaría pero bueno, suponía que no sería tan difícil. Y ahora sí, vamos a ese paso a paso.

1.- Documentación. 

Estas son algunas de las imágenes que me sirvieron de referencia para la
realización de las esculturas.

Como parte de la planeación, y esto aplica para cualquier proyecto artístico, siempre será necesario documentarse previamente sobre el tema. En este caso estudié  fotografías de toros de lidia en diferentes poses, figuras escultóricas de toros hechas por otros artistas, modelos a escala fieles en resina, láminas científicas de la anatomía del animal, (muy importantes pues te diré que mientras más a profundidad conozcas al modelo más libertad tendrás a la hora de interpretarlo); también  archivé referencias fotográficas sobre la fiesta brava, buscando imágenes que mostrarán suertes con poses similares a las que me interesaban,  y de un modo detallado repasé el diseño de la indumentaria del torero buscando memorizar con fidelidad su estilo.

2.-Construcción de los esqueletos. 

Mira, normalmente toda figura escultórica se inicia con la construcción de un esqueleto de alambre que se va forrando poco a poco del material para modelar, ya sea de arcilla, plastilina o en este caso papel, sin embargo, el alambre pesa y buscando aligerar al máximo las piezas opté por sustituirlo por globos que iría forrando con el papel periódico, (método muy empleado en la fabricación de piñatas), que una vez hubiera secado el papel podrían reventarse dejando hueca la pieza; como te comentaba en párrafos anteriores , el papel con pegamento se vuelve suficientemente duro y resistente como para permitir tener hueco sin que se deforme; aun así ya estaba pensando en un relleno de refuerzo para que las figuras tuvieran un poco de solidez extra. Más adelante te diré de que material fue y como lo apliqué.

2b. Recurriendo a las piñatas. Con el fin de ganar tiempo recurrí a otro truco improvisado; usé dos piñatas de papel con formas aproximadas; estas fueron una cebrita para el toro y una payasita para el torero. Estaban muy bien realizadas y consideré que algunas de sus piezas podrían servirme para adelantar trabajo. Estas piezas, junto con los globos y alguno que otro pedazo de periódico me servirían como material de modelado. Para darle consistencia a todo este collage de materiales utilizaría cinta canela para compactarlo y así después, ya empapelarlo todo.

Comencé por meterle cuchillo a la cebrita separándola por la mitad para luego cortarle las patitas. La idea era utilizar el pecho,  el cabuz y una bolsa repleta de globos para empezar a formar el cuerpo del toro.

Uní las piezas endeblemente con cinta canela y  coloque sin fijar, los cuatro palos con los que haría las patas, para presentar el avance con la intención de visualizar las proporciones. Y concluí que iba bien.

Así presentado podía ya visualizar al toro en cuanto a proporciones.
Ninguna pieza estaba unida aun.

Por otra parte y pensando en que me serviría casi por completo la figura de la payasita, empecé por  cortarla estratégicamente, ( pues venía de fábrica totalmente rígida) para darle movimiento y carácter de torero.  Tenía buen tamaño y estaba bastante bien terminada, y consideré que podría ser aprovechada al máximo. Fui moviendo sus piezas, fijándolas con cinta canela, añadiendo periódico y algunos globos para levantar o alargar el cuerpo, los brazos y manos casi tuve que reconstruirlos por completo;  a la cabeza le corte la parte de arriba pues  se veía desproporcionada y guardé la pieza para después usarla para hacer el gorrito. Así fui modelando esta pieza hasta lograr un esqueleto más convincente, más acorde con lo que buscaba. Puro truco, verdad?

Esta era una piñata muy bien hecha que pude aprovechar al máximo para
convertirla en un torero.

Siguiendo con el torero, que ora sí, ya parecía torero aproveché, según valoré para antes de empezar a empapelarlo, ponerle el cuello de la camisa y la corbata.

Encintando el toro. La cinta canela es un material extraordinario. Cuando muchos pensarían que solo sirve para sellar cajas de cartón, encontré que tiene tanta plasticidad que literalmente se modela con ella, tensándola  a conveniencia, forzándola a estirarse de más a veces y fijándola con su potente adhesivo en el lugar que uno quiera. Fue así que aproveché sus peculiares propiedades para irle dando forma a ese cuerpo bovino. Envolví ingeniosamente con cinta canela las tres piezas, agregando algunos globos en el lomo y en el abdomen cuando creí que era necesario. Y así fue como quedó el cuerpo; creo yo bastante bovino.

No se aprecia en la fotografía pero en la parte de abajo quedaron los
huecos para colocar las patas.

Conforme avanzaba con el modelado del toro, el reto iba en aumento. Ahora tenía que hacer la cabeza y el cuello para fijarlos a ese cuerpo encintado, cuidando la proporción y lo más difícil, la actitud del embiste con la cabeza agachada. Vaya desafío!!.

Decidí colocar la cabeza de la cebrita como referencia de partida sobre el agujero que dejé a propósito justo en donde va el cuello. Claro que esa cabeza poco tenía ya de cebra, pero aun poseía formas que me podrían guiar parar ir modelando.  Después y a base de colocar globos, retazos de periódico y un constante  estire y afloje de cinta canela conseguí darle cuello y cabeza a mi toro, en la actitud y con el detalle deseados.

Aquí se aprecia como quedo el toro con la cabeza y el cuello. Se aprecia lo que será el lugar de los ojos y los huecos en donde irían las patas delanteras.

Los cuernos, que debían ser cilíndricos y puntiagudos los hice a partir de modelar dos piezas de hule espuma  con las tijeras y el cúter,  haciendo pequeños cortes hasta lograr la forma que deseaba y luego los forré con cinta canela para compactarlos. Finalmente los uní a la cabeza con un paquete de periódico que fungiría como base o soporte y los fijé fuertemente con cinta canela.

Las orejas las hice con dos tiras de periódico doblándolas  varias veces para darles rigidez y bastante cinta canela.

En esta fotografía se aprecia la cabeza terminada. Los cuernos, orejas y todo el detalle de la nariz, así como las cuencas de los ojos. Está lista para ser empapelada.

Un poco de tiempo perdido.  Retomando al torero, y después de valorar que la construcción del cuerpo ya no me presentaría mayor problema,  abordé el asunto del capote, pues definitivamente no tenía hasta este momento la menor idea  de cómo la haría, y honestamente te diré que trabajé en un primer intento que me llevó hasta un callejón sin salida. Construí un bastidor de madera que según yo, sería un buen modelo de capote, uniendo tablas largas y delgadas de triplay en cruz con pegamento blanco,  pensando que serviría como cuerpo.  Luego lo forré con hojas de periódico Pero, que desilusión  fue cuando comprobé que no debía seguir  con esto, ya que esta cosa se veía tan rígida que más bien parecía una vaya o una tabla grande pero no un capote, cuyo aspecto debía ser volátil, como tela al viento, y destruí mi invento con vehemente frustración.

Unas dos horas de tiempo invertido se tuvieron que ir directamente la basura, pero creo que todo proyecto tendrá siempre sus horas negras. Acaso no le ha sucedido a la NASA cuando recurrentemente ha perdido miles de millones de dólares en misiones espaciales fallidas o abortadas?. No debía sentirme mal, mejor debía seguir adelante, así que decidí dejar por el momento este problema y concentrarme mejor en avanzar en aquello que ya tenía resuelto; ya después se me ocurriría algo para salvar este asunto; cómo buenos creativos que somos sabemos confiadamente que siempre surgirá una ingeniosa solución a la mera hora para cualquier problema de diseño, cierto?.

Sigue la segunda parte del tutorial.

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Como dibujar un Retrato a Lápiz Paso a Paso 6 Final

Así se encontraban los ojos, boca y nariz, hasta el paso 3, compara esta imagen
con la de abajo y comprobarás que casi siguen iguales, no así el cabello
y la cara que ya presentan un avance importante hasta llegados este punto.

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Avance en cabello y cara. No he trabajado aún la boca, la nariz
las orejas, ni los ojos. 

Trabajando la boca. Casi desde que empezamos y a reserva de unos cuantos trazos y entonaciones no nos habíamos ocupado de los labios ni de la nariz y a los ojos creo que también los habíamos olvidado. Lo hice un poco a propósito porque me pareció conveniente que te ejercitaras primero con el cabello y la cara que son algo más fáciles de resolver, aunque debo confesarte que el profesional del retrato trabaja todo a la vez; los ojos, la boca, el cabello, la nariz, etc. Tal como si se tratara de captar una instantánea. Pero sé que para quien está iniciándose,  esto no resultará del todo sencillo así que es válido ir con tiento. El chiste es practicar y practicar. Ahora hazlo así, con cuidado y paso a paso; ya más adelante te irás soltando hasta alcanzar la destreza del maestro, pero todo a su tiempo. Es algo así como aquel equilibrista que antes de aventurarse a caminar sobre su cuerda floja a 30 metros de altura, entrena antes a baja altura, apoyándose del barandal. Justamente esa es mi pretensión, encaminarte, a baja altura y sosteniéndote de la mejor manera. Ok?, prosigamos entonces.

Comentario breve sobre las orejas. Las orejas casi siempre, incluso no importando el ángulo de la cara en que las dibujemos resultan ser las menos relevantes, pero ojo!, no por ello deberemos descuidarlas; en algunos casos son ellas las que le dan el mayor carácter a algunos modelos, pero casi nunca es así, y en este caso son absolutamente reducidas a dos manchas oscuras.

Para resolver la boca, empecemos por recordar lo que ya mencioné en el paso 3. Normalmente la luz viene de arriba así que el labio superior será más oscuro que el inferior; además, considera que los labios deben apreciarse humedecidos lo que propicia que tengamos un brillo un poco intenso en la parte más luminosa ( inferior derecha). Con estos datos básicos sombrearas  guiándote de la siguiente imagen y en donde indican las flechas, haciéndolo con mayor o menor intensidad. Procura sombrear de arriba abajo con la intención de generar una textura radial.

Para lograr el volumen pon especial atención en que las sombras  de ambos labios tienden a ser más oscuras del lado izquierdo (A) y enfatiza esa línea de sombra del lado derecho del labio inferior, que funciona muy bien  para sugerir su redondez (B), y no olvides el brillo que estará justo por encima de esa misma línea de sombra, (C).

Cómo cierre de esta sesión te voy a pedir que intentes el toque maestro. Cómo habrás apreciado ya desde antes, los labios de nuestra modelo están ligeramente entre abiertos; como si trataran de generar una tierna sonrisilla que se antoja algo enigmática; pues bien, hay que representarla y creo que no hay más que sombrear con mayor intensidad una línea justo en medio de los labios, pensando que no es tanto sombra lo que añadimos sino, sonrisa. Sé que suena algo loco pero a veces creo q funciona mejor pensar así. Dibuja la sonrisa sombreando desde el centro de la boca (A),y remata en ambos extremos con el dibujo de dos comisuras especiales; las de Mena, (B).

Estos pliegues tan especiales (B), que harán surgir definitivamente la sonrisa de Mena y no la de ninguna otra persona.

Avanzando la nariz.  Al trabajar la boca sentí la necesidad de modelar un poco más la nariz. En la imagen podrás apreciar cómo se encontraba hasta la parte número 3 del tutorial y cómo ha quedado hasta aquí.

 

Bien, recordemos que te aconsejé que la dibujaras como si se tratara de un conjunto de luces y sombras. Esta manera de observar las cosas, se aplica a cualquier parte del modelo que desees dibujar solo que hago énfasis en la nariz cómo ejemplo porqué suele ser bastante complicada de dibujar.

La dificultad radica en su incómoda posición respecto a nuestro punto de vista, dado que se nos presenta en un escorzo frontal, o dicho en lenguaje coloquial, nos la encontramos totalmente de frente. Posición bastante incómoda como para interpretarla con facilidad; se necesita intuir hasta cierto punto los trazos y tonos que se precisa manejar. Por eso vale la pena recurrir a cuantos trucos tengamos a la mano para resolverla de la mejor manera. 

Lo primero que podrás apreciar en mi avance es que suavicé todos los trazos implicados. Era necesario dado que esta nariz pertenece a una mujer muy joven y bonita y líneas ó sombras duras en su nariz nunca le hubieran favorecido.

La fui modelando respetando  las cuatro zonas de sombras principales que ya había yo definido desde el principio. (Flechas).Y mira cómo intensifiqué la negrura de los hoyuelos de las fosas nasales (A) y le di más forma a la sombra de la base (B). Asunto que le dio más carácter de nariz femenina  a la nariz de Mena.

Y algo muy importante. Nunca dibujes a la nariz de manera aislada. Nota cómo yo la dibujé considerando siempre el modelado de las cuencas de los ojos y el deslizamiento de las mejillas y en este progreso último lo hice en concordancia con la boca y con la oquedad que se encuentra entre ambas (boca y nariz). Esto también tiene que ver con el asunto de su forma y posición. Entre más referencias visuales asociadas contemples más sencillo te resultará resolverla. 

 Ajustando los ojos. Hasta este punto lo primero que podemos notar en los ojos es que están completamente dispares. El derecho se ve más oscuro que el izquierdo. No?,  las cejas también se ven extrañas, algo tibias, sus pestañas son de verdad tímidas. Esto es porque los olvidamos tanto que ya no encajan con los ajustes actuales, así que es hora de darles más vida.

Siendo que ya he planteado el esquema de luz y sombra en ellos, lo que prosigue es ajustar los valores tonales, resaltar su volumen, y darles más profundidad para buscar así, con ahínco, emular la belleza de los originales.

Empecemos trabajando con los iris, de tal manera que se aprecien iguales en ambos ojos. Intensifica su gradación tonal que va de arriba hacia abajo y  de oscuro a claro con toda la intención de contrastar aún más ese brillo intenso, (A) "importantísimo". Ennegrece las pupilas más que todo lo demás.  Resaltemos un poco más las pestañas e intensifiquemos las sombras de los párpados, (B), para reforzar esa idea de redondez y profundidad propia de los ojos pero también con toda la intención de embellecerlos. 

Recordemos que los ojos son, en principio, un par de sólidas y blanquecinas esferas,

sumergidas en dos profundas cuencas y recubiertas de un elástico músculo; así que imagínate dibujando dos bolas de billar con dichas particularidades alineadas a los lados de la nariz.

 

Este argumento de comparación que suena tan soez, es, creo yo; válido, pero me da pie entonces a reiterar cómo contraparte y en su justa dimensión el hecho de que al mismo tiempo, mientras los dibujas, fluyas con la intención de penetrar esa mirada, en busca de retratar en ella al alma que la produce. Relega entonces, a la técnica a un elemento de sostén material. Los ojos son misticismo puro. Lo merecen.

Y bien, una vez hube realizado este viaje descriptivo que se antoja onírico o que sé yo,  continuemos por fin con el tutorial, o más bien demos por concluido este paso, mostrándote el avance hasta el momento. Ya falta poco para terminar. 

Avance general del retrato de Mena. A punto de terminar.

El cuello. Hay dos cosas importantes en la solución del cuello. 1.- Es más oscuro que el resto de la cara por la situación en la que se encuentra; detrás y debajo. La luz llega más débil. Toma en cuenta este hecho a la hora de modelarlo y 2.- Concentra dos zonas de sombra, una densa, (A) y una intermedia, (B). En la sombra densa debemos identificar y evidenciar un punto que es más oscuro y que normalmente aparece para perfilar bien el mentón, (C); no lo olvides.

Considera también, que dentro del área de la sombra densa podemos encontrar una zona que Rembrandt llamaba zona de “luz en la sombra” y que es una claridad que se aprecia casi en la orilla, (D), ya lo checaste?

Consideraciones finales.

A partir de este punto solo queda ir completando el retrato. Se debe trabajar de un modo más detallista y delicado. Tu lápiz debe correr despacio, buscando todos esos sutiles tonos que no hubieras contemplado antes. Asegúrate de apuntar todo, pero con sensibilidad. El arte es un ejercicio dual; es el resultado de la fusión entre la destreza técnica y la intención. Si una de las dos falla, en el mejor de los casos obtendremos una artesanía, tal vez muy bonita, pero no arte.

En el siguiente mini video podrás notar con toda claridad a lo que me refiero.

Apunta:

En los ojos trabaja como si aplicaras maquillaje, con la intención de realzar su belleza.

Con tu goma moldeable “rescata” los brillos más intensos, como este.

Comprobarás que el blanco de los ojos, ( de las córneas ) no es blanco, sino gris y que estas van sombreadas en los bordes porque son esféricas. El máximo blanco, o blanco del papel solo lo podremos encontrar en los brillos de los iris.

En la nariz nota esa débil sombra, justo a la mitad que rompe la uniformidad de la recta, quebrándola. 

La punta de la nariz está dividida en dos abultamientos; hay que sugerir ese relieve.

El contorno de la cara (abajo, izquierda) tiene luz, el borde del cuello, en su parte izquierda, también.

Los aretes puedes dejarlos algo planos. No es necesario detallarlos tanto. No son relevantes.

Fusiona bien las sombras que tenemos entre el ojo izquierdo y el inicio de la nariz, y no dejes zonas de luz allí, excepto el brillo del iris.

Resalta ese potente brillo del iris ennegreciendo deliberadamente el tono adyacente del iris, (A).

Esfuma al máximo la sombra de la aleta derecha de la nariz, (A).

La sombra justo debajo del labio inferior es la más oscura de la zona de la mandíbula, (B).

...Y seguimos.

La sombra del pómulo izquierdo es la más oscura de toda la cara. Exceptuando las sombras que generan las cuencas de los ojos.

Los pliegues de los párpados superiores son muy oscuros, son líneas negras.

El párpado izquierdo superior se oscurece más que el derecho.

Y así queda finalmente mi retrato.

Espero te haya gustado él tutorial y sobretodo que te haya resultado útil. Esa será mi mayor recompensa. Si tienes dudas, o sugerencias por favor comenta y espera mis próximos tutoriales. Gracias.

*Visita mi canal de youtube en donde estoy subiendo tutoriales interesantes. Me dará mucho gusto si te suscribes y compartes mis videos.Te paso el link:

El Taller de Miguel Angel

Cómo dibujar un Retrato a Lápiz ( Paso a Paso) 1

Cómo dibujar un Retrato a Lápiz ( Paso a Paso) 2

Cómo dibujar un Retrato a lápiz ( Paso a Paso) 3

Cómo dibujar un Retrato a Lápiz ( Paso a Paso) 4

Cómo dibujar un Retrato a Lápiz ( Paso a Paso) 5

Por último, te hago una invitación para que si estás en posibilidades me ayudes a sostener mi actividad de divulgación artística, haciéndome un donativo; de verdad te estaré muy agradecido. Al hacerlo, contribuirás a que el Taller de Miguel Angel siga creciendo. Gracias de antemano.

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Como dibujar el pie humano

El  pie humano, esa intrincada pieza de huesos y carne rígido, altamente especializada, que usamos para caminar suele resultar bastante complicado de dibujar, a veces más difícil que el mismo rostro o las manos que bien sabemos implican grandes desafíos para el dibujante; y esto se debe principalmente a dos razones a saber:

                              

1) Por la ubicación en el cuerpo y 2)  Por su forma y posición.

1). Por su ubicación en el cuerpo. Resulta que el pie se encuentra justo en la parte más baja del cuerpo, ( tocando el piso) y por eso es que casi no lo podemos ver en su justa dimensión ya que nuestros ojos están ubicados al lado opuesto, o sea hasta arriba. Esta situación nos impide apreciarlo tal y como es a menos que deliberadamente lo estudiemos colocando a una persona en una mesa alta o bien, copiándolo de láminas ilustradas o fotografías.

2). Por su forma y posición. No solo lo incomodo de su lugar en el cuerpo nos impide observarlo bien, además hay que considerar que el pie tiene una forma complicada ya que no es un simple soporte más o menos rectangular, es toda una compleja estructura con oquedades y relieves muy sutiles que evidencian un entramado de huesos y tendones de gran complejidad y si esto no fuera suficiente visto el cuerpo de frente el pie se presenta en un  “escorzo” o punto de vista frontal que lo transforma en apariencia en una forma irregular amorfa.

Pero no te quiero desanimar, y es por eso que te daré algunas ideas sobre como puedes dibujar bien un pie.

Haz de empezar por saber que es posible dibujarlo fácilmente partiendo de formas geométricas muy bien definidas. Estudia primero como se dibuja así el pie basándote en los esquemas que encontrarás ya sea en libros  sobre el dibujo de la figura humana o en el mismo internet, con la intención de aprendértelos de memoria. Ensaya todas las posiciones que te propongan o que encuentres.

Complementa este estudio con el aprendizaje de la anatomía del pie. Haz este estudio con la mayor profundidad, es decir practica el dibujo de los huesos tendones y músculos del pie y desde diferentes puntos de vista, ( de frente, de perfil, desde arriba, desde abajo), para comprender a fondo como se presentan y articulan entre sí. Si te es posible apóyate de un modelo tridimensional artificial, de esos de tipo médico, incluso un esqueleto de plástico te servirá.

Por último y ya bien entrados en calor ejercita tu estudio con el ensayo de pies reales. Estos pueden ser los de tus familiares y amigos. Dibuja cuantos puedas y desde muchos puntos de vista. Pero primordialmente trata de que estén a la altura de tus ojos, aunque también vale que los dibujes vistos desde arriba, como es que normalmente los vemos.

Y ya si de veras estás con todo en esto, que tal si de vez en vez te dibujas unos pies vestidos, es decir con zapatos; interesante, no?

Bien, para cerrar este breve tutorial, te obsequio esta serie de láminas que créeme en verdad son del mejor material que podrás tener de referencia para ensayar el dibujo de los pies. Solo basta con observarlas con detenimiento para que te des cuenta de que se trata de verdaderas joyas de referencia. Te ayudarán muchísimo para empezar tu estudio.

Emerick, el Nuevo talento del dibujo

Hola amigos, quiero presentarles algo del trabajo de Emerick, un talentoso artista joven quién hace unos dibujos verdaderamente buenos, como este genial dibujo del famoso personaje del anime. 

ó este otro del perro chop:

Vale la pena ver como trabaja, por ello les comparto unos videos que él ha subido a 
youtube. Denle clic a la imagen o sigan el link debajo.

Como dibujar  a Pikachu...Por Emerick
Como dibujar al perro chop..Por Emerick

Dibujo con Carboncillo ( Para aprender a dibujar)

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Ejercicio de dibujo con carboncillo ( Primera clase)

Hola amigo artista. Lo que te voy a presentar ahora es la semblanza de un didáctico ejercicio que apliqué a mis alumnos del curso-taller de dibujo y pintura, que imparto en la universidad Cuauhtémoc. Estamos iniciando y el curso tendrá una duración de 5 meses a partir de los primeros días de julio del 2014, y contaré con 15 alumnos.

Es la primera vez que doy clases en esta universidad, por lo que soy nuevo para mi grupo. Mis talentosos alumnos, que ya han llevado cursos previos, me pidieron amablemente que iniciásemos  desde cero, es decir, como si no tuvieran noción alguna sobre el dibujo y la pintura. Accedí con gusto pues me pareció una muy buena forma de evaluarlos y así empezar a corregir acertadamente cualquier cosa que pudieran estar haciendo equivocadamente. Por ello creo más que interesante compartirte esta primera lección que les di, pues tiene que ver con los pasos iniciales para aprender a dibujar y a pintar. Si eres principiante este artículo te servirá muchísimo para empezar a practicar, y si, ya eres avanzado vaya que estarás de acuerdo en que siempre será bueno repasar los fundamentos.

Antes de entrar a la descripción de lo que hicimos, permíteme darte, a manera de introducción algunas razones del porqué elegí este ejercicio para dar la lección inicial.

Barras de carbón vegetal, sin comprimir. ideales para
realizar ejercicios de dibujo.

Empezaré haciendo una comparación, diciéndote que el ejercicio en cuestión es tan básico e imprescindible para entender el dibujo y la pintura como lo son las notas musicales para la música. Se trató de aprender a construir un dibujo artístico, practicando el encajado de las formas y el modelado tridimensional;  ambas, técnicas fundamentales para poder dibujar correctamente.

 

El material que empleamos fue el carboncillo sobre papel, que aludiendo nuevamente a la comparación con la música; equivaldría a decir que mis alumnos tomaron la clase en el piano. El carboncillo sobre papel es definitivamente el material ideal, ya que nos otorga todas las posibilidades para aprender a dibujar y por ende, a pintar
A este respecto, permíteme aclarar que el hecho de no considerar el color,  (ya que trabajamos en blanco y negro, y hablo de aprender a dibujar,  pero también a “pintar”), no significa que este material nos limite o supedite solo al dibujo o pintura en blanco y negro, porque siendo estrictos, únicamente prescindimos del contraste entre colores (matices), abarcando en su totalidad el análisis y estudio de todos los demás aspectos del color; como son el tono, la saturación, la brillantez y el contraste tonal. Y ciertamente de un modo muy completo.

Por lo demás,  el carboncillo nos permitió explorar con mucha libertad de expresión el efectismo como podría hacerse con cualquier técnica mayor; pastel, óleo o acuarela, por ejemplo. Incluso podríamos pensar en que para ciertos efectos, pudimos ir  más allá. Con los efectos atmosféricos, por ejemplo.

Cerrando esta  introducción te puedo decir que:  “En un humilde trozo de carbón vegetal se esconde la magia del virtuosísimo plástico del dibujo y la pintura”.

Bueno, con estas referencias aclaratorias vamos al asunto de la clase.

La adecuación del salón de clases y la elección del modelo.

Al entrar por primera vez al salón me encontré con que había allí unas 30 mesas de trabajo tipo  escritorio acomodadas en filas horizontales y mirando todas hacia él pizarrón, tal como normalmente debe ser un salón de clases estándar, para impartir clases de matemáticas o ciencias naturales; entonces me dije, Oh no!, parece este un salón de primaria, como puede ser?, si no es clase de matemáticas la que voy a impartir, ja, ja, ja; Ok; veremos que se puede hacer, pensé. Así que decidí mover esas mesas y formar un círculo con ellas alrededor del salón para que en el centro muy bien pudiera acomodar nuestro modelo o tema. Así, mis alumnos, podrían tener una buena visibilidad, no importando que cada quién tuviera diferente punto de vista, al fin y al cabo desde cualquier ángulo tendríamos buenas líneas y sombras que analizar. Esto no se hubiera podido hacer con la disposición original que me encontré.

Composición improvisada de un bodegón. Para el ejercicio
funcionó bastante bien.

En cuanto al tema, que te puedo decir. Como podrás constatarlo en la imagen, realmente es una composición muy fea, bueno, según yo, pero la verdad es que en ese momento disponía de pocas opciones  y necesitaba objetos que fueran lo más geométricos posible, para facilitar la explicación, y pues esto fue de lo mejorcito que encontré, y; en todo caso, lo que me interesaba era el análisis de las formas y volúmenes, así que haciendo un buen esfuerzo los dispuse tratando de conseguir la mejor composición. Así que te pido por favor amigo y talentoso artista, no juzgues tan severamente mi triste y exiguo modelo.



Los materiales.

Ya he hablado bastante sobre nuestro gran protagonista, el carboncillo, solo añadiré una breve explicación sobre el resto de los materiales que empleamos, que son: el papel revolución, la tabla de MDF y las pinzas bulldog. Todos tienen una razón importante, y ahora te diré cual es.

Papel revolución. Su coloración y textura lo hacen
idóneo para practicar el dibujo.

Sobre el papel. Mis alumnos estaban acostumbrados a trabajar con blocks de dibujo escolares de cartulina marquilla o cuadernos de papel bond para hacer sus ejercicios. Les explique que estos tipos de papel no servían para practicar el dibujo, por lo siguiente: resultan caros en función de la dinámica de trabajo, que exige utilizar muchas hojas. Imagínate tirar cartulina marquilla indiscriminadamente, como que no se vale, verdad?.  Y, en el caso del bond, sus propiedades no son del todo compatibles con el carboncillo ya que es muy liso y hace que este no se adhiera bien.

Otro punto en contra de estos papeles es que son muy blancos. Evita dibujar sobre papeles blancos, al menos cuando se trate de practicar el dibujo, porque este resulta ser un obstáculo abrumador para modelar las sombras. Es como si tuvieras que dibujar sobre un reflector potente. Suena lógico evitarlo, verdad?, El bond y el marquilla son blancos, si, y muy blanco el bond, en particular.

Y, no olvides esto que es sumamente importante:” Los formatos pequeños no sirven para practicar el dibujo”. Los blocks y cuadernos siempre serán pequeños para practicar el dibujo. Practica siempre en papeles grandes; pliegos, hojitas de block o de cuaderno… NO! Por favor.

El papel revolución es económico; tanto que se utiliza para diversos usos
comerciales, como para envolver un buen kilo de tortillas
mexicanas, por ejemplo.

Por todas estas razones mi recomendación ideal es que practiques sobre papel revolución o kraft, que encuentras en las papelerías en pliegos grandes. Son baratos, fáciles de conseguir, tienen una tonalidad neutra, algo arenosa, ( no blanca) y los consigues en medidas como de 90 cm x 60 cm. Ideales para practicar el dibujo.

Nota: Los blocks o cuadernos no los hagas a un lado, te servirán para hacer apuntes rápidos o bocetos que puedes archivar, pero no lo olvides… No sirven para practicar el dibujo, Ok?.

  

La tabla MDF. Esta tabla cumple dos funciones importantes. La primera tiene que ver con el tamaño del dibujo. Como te comentaba en el punto anterior, para practicar el dibujo lo más recomendable es hacerlo sobre un área grande. Usar pliegos de papel es lo ideal y montarlos sobre una tabla ligera y lisa resulta bastante conveniente, no crees?. La tabla de MDF cubre muy bien estos requisitos.  Podría recomendarte que fuera  de aglomerado o de triplay pero ninguno de estos materiales te ofrece  una superficie tan lisa. Te recomiendo que tu tabla sea de 90 cm x 60 cm  y de unos 3 mm de espesor, para que no se pandee.

Estelita dibujando en la posición correcta. Apoyando su tabla sobre
sus piernas y de frente a su dibujo.

 La otra función de la tabla es muy importante y tiene que ver con la posición que debemos adoptar para dibujar correctamente. Resulta que el dibujar sobre una mesa  horizontal, como lo estaban haciendo mis alumnos anteriormente, te obliga a “mirar”, lo que dibujas desde un ángulo muy inclinado, que vuelve lo que “ves” engañoso a la vista. Esto es porque el ojo, aunque no lo parezca, capta las formas respetando las leyes de la perspectiva  y, al igual que la cámara fotográfica las capta distorsionadas si se miran desde ciertos ángulos. Lo puedes comprobar de manera muy simple mirando a través del lente de la cámara de 35 mm. Verás cómo en ciertos ángulos, particularmente en los extremos, los objetos se ven a veces bastante deformados. No obstante, vemos, o “creemos” ver a los objetos sin distorsión alguna porque nuestros cerebros “corrigen” dichas anomalías ópticas efectuando mentalmente los ajustes necesarios. Es necesario que lo haga así, pues de esto depende nuestro confiado andar dentro de este mundo tridimensional.

Sin embargo el cerebro no es tan eficaz,  porque justamente en casos como el que nos compete es fácil comprobar que falla. Y el engaño se evidencia cuando después de haber estado  trabajando  duramente y con tanto entusiasmo en un dibujo sobre la mesa “horizontal”, de repente, al observarlo de frente, cuando levantas tu hoja, Oh!, sorpresa, sucede que es muy probable que encuentres que no se ve igual, no se ve cómo debería verse. Se ve diferente…Deformado, quizás,  y esto puede resultar sumamente frustrante para ti, sobre todo cuando esperabas un resultado y obtienes otro. Por ejemplo cuando se trata de un trabajo que exige precisión, tal es el caso de un retrato.

Por eso mi recomendación en este sentido es que siempre dibujes de frente a tu obra. En posición vertical, como lo hace el pintor frente a su caballete. Tu tabla de MDF se puede colocar en esa posición sin problemas, simplemente siéntate cómodamente y coloca tu tabla sobre tus rodillas, recargada en una mesa tal vez.  Como les aconsejé a mis alumnos que lo hicieran con las suyas y ponte a dibujar de “frente” a tu obra con certeza.

Ya para cerrar este apartado referente a los materiales, solo me falta comentar un poco acerca de las pinzas bulldog. Estas son unas pinzas metálicas que sirven muy bien para sujetar el papel a la tabla MDF. Son verdaderamente prácticas pues las puedes acomodar en el lugar que quieras  según sea tu necesidad. Por ejemplo, cuando requieres trabajar en un área de tu dibujo con cierta intensidad de trazos y no deseas que se mueva la hoja para nada, simplemente coloca tu pinza en donde mejor sujete al papel; o mejor aún, usa no dos, sino varias pinzas para fijar literalmente tu papel  a la tabla, según te convenga.

Muy bien, vamos ahora, y sin más preámbulos directamente  a comentar sobre nuestro ejercicio en sí.

El Encajado

Una vez que todos mis alumnos tenían ya sus tablas listas y con el modelo en su lugar, les pedí  que empezaran a dibujar.

Les indiqué que hicieran su dibujo lo más grande posible. De este modo tendrían un área de trabajo amplia, que les permitiría efectuar sus trazos y sombreados con bastante soltura. Para eso es el papel grande, ya viste?

Les dije que aprenderían y practicarían el método para dibujar,  que parte de la construcción lineal del modelo. Comenzaríamos trazando líneas para luego, una vez definiendo las formas, nos seguiríamos con el modelado tridimensional  por medio de “agrisados”.

Debían ver el todo, ignorando los detalles, que en este primer paso son innecesarios. Esto significa que “debemos dibujar solo las líneas que describen mejor al modelo”.

Se trataría, diciéndolo de un modo más preciso y artístico de extraer  del modelo solo sus formas esenciales. Les indiqué que debían observar de un modo  diferente al modelo. Cambiando mentalmente la percepción de lo que tenían enfrente. Quería que en lugar de objetos, vieran tan solo un conjunto de líneas y sombras. En este esfuerzo mental está la clave para dibujar mejor, les dije, y requiere práctica para hacerlo bien y sobre todo… paciencia!!!, Si; Mucha paciencia.

Lupita es una alumna muy atenta. Sin duda
sabe ser paciente.

Les sugerí  que observaran al modelo cuidadosamente. Que hicieran continuas comparaciones de las distancias que separaban a los objetos entre sí y que determinaran sus tamaños, memorizándolos, para luego trazar. Apuntando un segmento por aquí, y otro por allá. Observando todo a la ves;  relacionando lo de arriba con lo de abajo, para conseguir lo que los artistas llamamos: “El encajado” general.

Se trataba de esbozar el sombrero, la caja cilíndrica, la esfera y los libros con tan solo unos cuantos trazos, sin definir sombras aun y sobre todo sin detenerse en resolver detalles , tales como el entramado del sombrero, los brillos de la esfera, las líneas de la caja o el doblez de la hoja de alguno de los libros.

De este modo mis alumnos comenzaron a dibujar y vaya que empecé a  sorprenderme. Trabajaban con pasión. Con entusiasmo y alegría. Sobre esta dinámica, creí entonces prudente aconsejarles algunos trucos para facilitarles el trabajo. Te platico algo al respecto.

Trucos para dibujar mejor.

Vista de conjunto. De vez en cuando, mientras transcurría la clase, les sugería a mis alumnos detenerse para mirar su avance desde muy atrás colocando su dibujo lo más próximo posible al modelo. Desde un punto en donde podrían comparar a ambos. Esta acción les permitiría detectar sus aciertos pero también sus errores, al encontrarse alejados de su obra y poder verla en su totalidad de una sola vez.

También les recomendé aplicar algunos ingeniosos trucos extras de verificación para detectar errores. Uno que me gusta mucho por su efectividad es aquel que consiste en mirar el dibujo a través de un espejo. Te sorprenderás de la cantidad de errores que pueden aparecer al ver tu dibujo de manera “invertida”. Entonces, simplemente, habrá que hacer las correcciones pertinentes ayudándote esporádicamente del espejo para verificarlas.

Otro truco consiste en tomarle una foto al modelo y a tu dibujo con la cámara de tu celular. Es increíble la cantidad de errores que podrás apreciar con este simple método. También te servirá para detectar omisiones o líneas que no habías visto.  Consuelo se quedó boquiabierta cuando miró su dibujo en la foto. Vaya que noto carencias pero también aciertos. Una ventaja adicional de la foto es que también puedes ver a ambos, tanto al modelo como a tu dibujo, de cabeza; con solo voltear tu celular, verdad?.  Con este simple cambio de punto de vista también podrás encontrar errores.

Ahora bien, así como tenemos trucos para detectar errores también existen algunos que nos sirven de apoyo para ejecutar el encajado con mayor facilidad. Estos son algunos de ellos que, dese luego, les compartí a mis alumnos y que ahora también te comparto a ti.

El espacio negativo. Este es aquel espacio que está detrás del modelo, es decir, su fondo. Y el truco consiste en poner eventualmente nuestra atención en este, y no en el modelo. Al hacerlo encontraremos nuevas referencias visuales que nos ayudarán a ajustar las proporciones.

Entrecerrar los ojos. De vez en cuando te recomiendo “ver” al modelo con los ojos entrecerrados. Esto produce un efecto de oscurecimiento o alto contraste en las formas que sirve para eliminar detalles. Efecto que como verás es muy conveniente para simplificar. A mis alumnos les pareció muy interesante. Y por último te comento sobre el truco principal. Ese truco sobre el que he hablado bastante en muchos de mis tutoriales pero que definitivamente sé que nunca estará de más retomar. El encajado a partir de la simplificación de las formas.

La idea parte de entender que es más fácil dibujar figuras geométricas simples que formas irregulares, de rebuscadas formas. Y se puede hacer así porque los artistas sabemos que todas las cosas que nos rodean, incluso una figura humana, por ejemplo, se pueden interpretar como figuras geométricas.  Si partimos de esta idea nos resultará más fácil dibujar.  Una vez hayas realizado el encajado geométrico, solo debes ir ajustando líneas para encontrar el mayor parecido con tu modelo.  Ya tienes la base.

Bien, a medida que mis entusiastas alumnos avanzaban les insistía en no descuidar que debían dibujar con suavidad, pero a veces se les pasaba la mano con el carboncillo. El control de este material es importante por lo fácil que puede resultar manchar o ensuciar, recordándoles que es muy difícil de borrar. Así que les insistía en observar bien antes de efectuar cualquier trazo. Esta es tal vez la única desventaja de nuestro amigo el carboncillo, aunque lo diría con ciertas reservas ya que un artista consumado no borra, solo moldea las formas. Pero bueno, si eres principiante te lo puedes permitir, solo un poco, mientras te perfeccionas.

A propósito de este comentario y suponiendo que consideras que estoy siendo muy estricto,  te diré algo más sobre el uso de la goma. En efecto, si es válido usarla en algún momento del proceso de agrisado. No para borrar, como ya lo comenté, sino para lo que conocemos como “El proceso para rescatar luces”,  y esto se hace una vez hayas identificado una zona de altas luces o brillos; entonces,  con tu goma puedes “borrar” ahí, en donde sabes que están esos brillos pero que se han ocultado porque previamente ya habías agrisado un poco, y  entonces te darás a la tarea de ”rescatar” esas luces o brillos con tu goma.

Recuerda que casi siempre estas luces se encontrarán en zonas reducidas del dibujo, por lo que piensa en solo dar toques de luz. La goma que te recomiendo es sin duda la gran estrella…La goma moldeable, que es plástica, con apariencia y consistencia de plastilina gris. Si, te entiendo, suena algo extraño pero sin duda es la mejor goma que puedes utilizar y la consigues en establecimientos de arte con cierta facilidad.

Sus propiedades son excepcionales. Borra limpiamente, no mancha, borra carbón, que otra goma puede borrar carbón??.  Y, además por si esto fuera poco, la puedes moldear para ajustarla  a borrados finos. Es increíble esta magnífica super goma. Consíguela. La amarás.

Estelita modelando su dibujo de frente al tema.
Pasión en su trabajo.

El modelado ( Luz y sombra).

Bueno, después de una ardua sesión de análisis exhaustivo para realizar sus encajados,  mis alumnos ya querían modelar sus trabajos con luces y sombras. Hacerlos volumétricos y realistas, y yo, viéndolos algo desesperados comencé a aleccionarlos en esta tarea, que definitivamente sabía que les resultaría mucho más divertida y satisfactoria.

La gama tonal. Obviamente íbamos a modelar los dibujos con el carboncillo, agrisándolo. Les indiqué que debían nuevamente simplificar, solo que ahora no se trataría de hacerlo con las formas, sino ahora serían las sombras y las luces. Debían esforzarse en visualizar masas de luz y sombra, ignorando todas aquellas gradaciones sutiles de grises.

Les pedí que usaran todo el cuerpo del carboncillo, colocándolo “acostado” para poder cubrir amplias zonas de una sola vez,  cuidando de no pasarse de agrisado. De vez en cuando podrían acomodar con sus dedos el carboncillo e incluso, si su inspiración se los permitía, podrían esfumarlo en algunas partes con intenciones de lograr efectos artísticos interesantes.

La indicación era que identificaran y anotaran 10 tonos de gris en el modelo, NI UNO MAS!!!. Estos grises iban del blanco al negro, más ocho grises intermedios. Podían recurrir a los mismos trucos y recursos que emplearon para el encajado para identificarlos y anotarlos.

El agrisado debería hacerse cubriendo áreas grandes. Por ejemplo, un solo gris para toda la base del sombrero, otro para la parte lateral de un libro, otro más para la sombra proyectada dela caja en la mesa y así sucesivamente hasta cubrir todo el dibujo.

Para facilitarles este paso,  les sugerí que empezaran por identificar y anotar la zonas “negras”, por ejemplo las sombras más intensas y después las “blancas”, o brillos intensos, ( estas últimas solo se identificarían, pues ya estaban dadas por el tono del papel), para de ahí continuar con el resto de los grises; así tendrían una buena referencia para aplicar el resto de los tonos, ya que ningún gris debería ser  tan oscuro como el negro, ni tan blanco, porque esos ya los tendrían anotados.

Nuevamente les sugerí que mentalmente intentaran cambiar su percepción  de las cosas. Les dije que trataran de ver que lo que tenían enfrente no eran un sombrero, libros, una esfera y una caja, sino solo un conjunto de sombras y luces, y eso les ayudó mucho.

Y así, poco a poco mis alumnos fueron revelando y creciendo su dibujo hasta terminar, con las manos bien manchadas pero con una obra de arte en potencia. Ya no había más indicaciones que darles.

El ejercicio en total solo duró dos clases, o sea 4 horas. Al final, pude comprobar que en ese salón había talento y ganas de aprender a dibujar y pintar.

Bueno, hasta aquí doy por terminada mi narración sobre esta primera clase. Espero de verdad te haya resultado enriquecedora y útil.

La recomendación final para mis alumnos y para ti, amigo artista es que regularmente practiques este ejercicio, con diferentes modelos. Practicar y practicar aplicando la técnica es la llave que te permitirá descubrir tu capacidad artística. No desistas, si algún ejercicio no te convence. Hazlo otra vez, poniendo más atención en las indicaciones, sin desobedecer nunca la técnica. Y recuerda...

El mayor enemigo del artista es el miedo al fracaso. Enfréntalo, véncelo y explota tu talento!!!.

Hasta la próxima.

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