Cómo dibujar frutas con lápices de colores

Los lápices de colores son un medio de expresión artística muy amable; es realmente muy sencillo dibujar y colorear con ellos, por algo los niños los utilizan mucho en el preescolar.

Si eres principiante te invito a que realizes este ejercicio, te resultará muy gratificante comprobar el nivel artístico que puedes lograr, aun sin tener mucha experiencia y si eres avanzado pues sabrás muy bien de lo que estoy hablando. 

Te presento un adelanto en gráficos y por supuesto el video.

Empezamos haciendo un esbozo de las frutas con el lápiz azul.

Los colores que utilizaremos serán:

El método para colorear con lápices de colores consiste en aplicar con achurados suaves y tibios los colores buscando desde un principio la aproximación a los colores del modelo, (como se ve en el gráfico); gradualmente se van subiendo de intensidad hasta alcanzar los tonos y matices finales. Recuerda esto: Siempre se colorea de un modo general, es decir todo a la ves.

Es importante que tus lápices tengan puntas afiladas en todo momento, yo utilizo el cutter para hacerlo, girando el lápiz con la mano izquierda mientras le doy forma a mi punta. Más o menos te debe quedar así.

Vamos reafirmando los colores, poco a poco, realzando texturas y buscando nuestra propia expresión artística.

Y este es el resultado final:

Y aqui está el video.

Como dibujar el pie humano

El  pie humano, esa intrincada pieza de huesos y carne rígido, altamente especializada, que usamos para caminar suele resultar bastante complicado de dibujar, a veces más difícil que el mismo rostro o las manos que bien sabemos implican grandes desafíos para el dibujante; y esto se debe principalmente a dos razones a saber:

                              

1) Por la ubicación en el cuerpo y 2)  Por su forma y posición.

1). Por su ubicación en el cuerpo. Resulta que el pie se encuentra justo en la parte más baja del cuerpo, ( tocando el piso) y por eso es que casi no lo podemos ver en su justa dimensión ya que nuestros ojos están ubicados al lado opuesto, o sea hasta arriba. Esta situación nos impide apreciarlo tal y como es a menos que deliberadamente lo estudiemos colocando a una persona en una mesa alta o bien, copiándolo de láminas ilustradas o fotografías.

2). Por su forma y posición. No solo lo incomodo de su lugar en el cuerpo nos impide observarlo bien, además hay que considerar que el pie tiene una forma complicada ya que no es un simple soporte más o menos rectangular, es toda una compleja estructura con oquedades y relieves muy sutiles que evidencian un entramado de huesos y tendones de gran complejidad y si esto no fuera suficiente visto el cuerpo de frente el pie se presenta en un  “escorzo” o punto de vista frontal que lo transforma en apariencia en una forma irregular amorfa.

Pero no te quiero desanimar, y es por eso que te daré algunas ideas sobre como puedes dibujar bien un pie.

Haz de empezar por saber que es posible dibujarlo fácilmente partiendo de formas geométricas muy bien definidas. Estudia primero como se dibuja así el pie basándote en los esquemas que encontrarás ya sea en libros  sobre el dibujo de la figura humana o en el mismo internet, con la intención de aprendértelos de memoria. Ensaya todas las posiciones que te propongan o que encuentres.

Complementa este estudio con el aprendizaje de la anatomía del pie. Haz este estudio con la mayor profundidad, es decir practica el dibujo de los huesos tendones y músculos del pie y desde diferentes puntos de vista, ( de frente, de perfil, desde arriba, desde abajo), para comprender a fondo como se presentan y articulan entre sí. Si te es posible apóyate de un modelo tridimensional artificial, de esos de tipo médico, incluso un esqueleto de plástico te servirá.

Por último y ya bien entrados en calor ejercita tu estudio con el ensayo de pies reales. Estos pueden ser los de tus familiares y amigos. Dibuja cuantos puedas y desde muchos puntos de vista. Pero primordialmente trata de que estén a la altura de tus ojos, aunque también vale que los dibujes vistos desde arriba, como es que normalmente los vemos.

Y ya si de veras estás con todo en esto, que tal si de vez en vez te dibujas unos pies vestidos, es decir con zapatos; interesante, no?

Bien, para cerrar este breve tutorial, te obsequio esta serie de láminas que créeme en verdad son del mejor material que podrás tener de referencia para ensayar el dibujo de los pies. Solo basta con observarlas con detenimiento para que te des cuenta de que se trata de verdaderas joyas de referencia. Te ayudarán muchísimo para empezar tu estudio.

Materiales básicos para empezar a dibujar

El Lápiz

Desde que empecé con mi inquietud artística, hace ya algunos años, mi instrumento favorito para dibujar siempre fue el lápiz de grafito, y hasta la fecha puedo concluir que sigue siéndolo. La razón principal es creo yo, su gran mansedumbre y versatilidad. Se controla con mucha facilidad y puedes usarlo para dibujar cualquier cosa; es económico y lo consigues en cualquier papelería.

Otros materiales como los carboncillos, minas, contés, cretas, marcadores, etc;  son muy buenos pero por lo general son algo más exigentes en su manejo, además de que cada uno tiene su función muy particular, más bien podríamos considerarlos complementarios; útiles para enriquecer el trabajo artístico, no para que los use quien empieza a dibujar.

Es importante saber que en el mercado encontramos lápices con distintos grados de dureza, que van desde los muy suaves hasta los muy duros. A los lápices suaves se les asigna la letra “B”, mientras que a los duros la “H”.  Se venden regularmente los suaves: 8B, 7B, 6B, 5B, 4B, 3B, 2B, B, HB; y, duros: 2H, 3H, 4H, 5H, 6H, o hasta 10H. algunas marcas manejan la gradación "F", que la verdad no le noto gran diferencia con un HB, así que solo tómalo en cuenta.

Cada lápiz tiene un uso específico según su grado de suavidad o dureza; los H se utilizan bastante para trabajos lineales, tipo arquitectónicos. Mientras más fino y sólido se requiera el trazo pues más duro deberá ser el lápiz, un 6H, por ejemplo es bueno para hacer líneas muy firmes y finas, aunque grises. Los suaves son los que se usan para dibujo artístico, y el artista elegirá el número según sea su intención. Un 9B, por ejemplo se extiende con facilidad sobre el papel y ennegrece muy densamente el área en donde se aplique; ambas cualidades muy apropiadas para hacer bocetos artísticos, como puedes ver en este ejemplo.

Para el que empieza a dibujar el más recomendable será el de gradación HB, que es de una consistencia yo diría que estándar, es decir, no es ni muy suave pero tampoco es duro; Porque es el más recomendable?, bueno pues porque gracias a esta cualidad, digamos “neutra” podemos darnos el lujo de cometer bastantes infracciones con él antes de que arruinemos un trabajo intentando dibujar bien. El lápiz HB, es el mejor alcahuete del  principiante tolerándole su descontrolada inexperiencia al no maltratar ni ensuciar tanto el papel.

Así que empecemos con un HB, “El mejor amigo del principiante”. Que marca?, creo que deberás probar varias hasta encontrar la que más te guste, ya que varía la consistencia según la marca, solo procura que no sea de mala calidad porque en los muy económicos sencillamente la mina suele quebrarse continuamente. Si puedo recomendarte unos, a buen precio y de excelente calidad sin duda serán los Derwent. Los hay en estuches  y sueltos, aunque si pedes hacerte de un estuche será mejor pues la gama de gradaciones estará completa. Checa este. Es mi favorito. 

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El papel para el principiante

Si buscas información sobre cual papel es el idóneo para empezar a dibujar, seguro encontrarás muchas recomendaciones; marquilla, fabriano, guarro, ilustración, canson, bla, bla, bla, o que se yo, existen infinidad de opciones, pero mira; déjame aconsejarte lo siguiente. El que empieza a dibujar no necesita un papel especial, solo necesita un papel en el que el lápiz de grafito se desplace bien, y si es barato mejor...

Papel Bond en paquetes de 500 hojas cada uno

... pues lo usará para hacer dibujos de practica, (los profesionales les llamamos bocetos); utilizando solo sus lápices de grafito. Para trabajos finales y ya con un poco más de experiencia podrá pensar en trabajar en papeles especiales de mayor precio y calidad. 

Siendo así, mi recomendación ideal es el papel bond; tiene una textura estandar, es decir no muy rugosa ni muy lisa, perfecta para agarrar bien el lápiz; te permitirá borrar con bastante tolerancia antes de ensuciarse o romperse, es de un blanco muy intenso y por supuesto, es económico. Una cualidad muy importante es su opacidad, lo que te permitirá dibujar por ambas caras. Como verás, no por capricho es el papel utilizado en la fabricación de las libretas escolares.

*Nota: Por favor, evita los papeles satinados (brillantes) o lisos, como son la opalina, el couché o la cartulina bristol, el grafito no se desplazará nada bien en ellos y lo peor, borrar puede significar un desastre pues la goma se patinará arruinando cualquier propósito de corrección. Y por supuesto tache para los rayados o cuadriculados, sus líneas y cuadros solo harán ruido a tu visión artística.

Ahora te diré como usarás tu papel bond.

El tablero de dibujo

Necesitarás hojas tamaño carta, ( pueden ser de otro tamaño, claro, pero creo que este resulta bastante cómodo para empezar a dibujar). Las puedes comprar en paquetes de 100 o hasta de 500 hojas; de preferencia mínimo de 75 g/m2, ( no muy delgado, ni muy grueso), pero también las puedes obtener reciclando; es decir, tomándolas de aquellos trabajos escolares que imprimiste el año pasado y que aunque estén impresas de seguro tienen el otro lado limpio; o de esas libretas usadas que dejaste o que dejó tu hermano(a) por ahí, con hojas que nunca utilizaron, solo despréndelas con cuidado; no las arranques!.

Si haz decidido comprar tus hojas bond, da clic aquí para que adquieras tres paquetes de papel bond de 500 hojas, (1500 en total), por amazon al mejor precio/calidad. Tendrás hojas para rato.

Ahora móntalas sobre una tabla de MDF, madera comprimida o triplay, sujetándolas con pinzas sujeta-hojas, tal y como se ve en la foto. ( Monta todas las que tus pinzas sean capaces de sujetar).

La tabla puedes conseguirla en una carpintería, debe medir por lo menos 30 cm x 24 cm, y tener un grosor de 3 mm. Las  pinzas las consigues en papelerías de artículos para oficina.

Y ya tienes el cuaderno ideal para empezar a dibujar, OJO!!! mesa de trabajo incluída, ( la tabla).

Este sistema es muy versátil, gracias  a la tabla puedes dibujar siempre sobre un buen soporte prescindiendo así del escritorio o mesa de trabajo;  puedes quitar y poner hojas cuantas veces quieras y nunca se te acabará el cuaderno.

Los dibujos que vayas haciendo los puedes ir guardando en un folder para luego archivarlos y hasta coleccionarlos. Funcional, no? Yo en lo personal tengo como 5 tableros así.

Alterno a este genial artilugio puedes también usar el clásico block de dibujo escolar de cartulina marquilla. Usa el que tiene base o soporte rígido, No el de espiral,  y que sea de preferencia de una medida algo grande;( 60 cm x 40 cm es muy bueno). Te servirá muy bien para hacer tus primeros trabajos finales. Aun no te involucres en probar otros papeles, ok?, .

Block escolar de cartulina marquilla montada sobre
cartón rígido. Medida: 60 cm x 40 cm

Tip: Cuando te acabes las hojas del block puedes utilizar la base rígida como soporte para nuevas hojas de trabajos grandes que vayas a realizar, solo añádele las pinzas para sostener tus hojas, colócalo en tu caballete y listo! A dibujar. Mira en esta foto uno de mis soportes grandes.

La goma de borrar para el artista

Todo dibujante obviamente necesitará de una goma, si; requerirá constantemente de ese material salvador de errores. Pero, cual es la mejor de todas? ¿como la debo usar?
y... ¿ Solo nos servirá para corregir errores, o puede servir para algo más ?

Antes de responder a estas preguntas debo decirte que el profesional usa la goma poco para corregir errores, sino más bien para ajustar trazos y sobre todo para lograr efectos en sus dibujos; pero bueno, si eres principiante no tendrá nada de malo que la uses más que nada para corregir y corregir; úsala para borrar lo que no te haya salido bien todas las veces que sea necesario, de cualquier modo, irás poco a poco descubriendo lo fabulosa que puede ser tu goma para otras cosas que no sea solo corregir. No eches en saco roto esta observación para que desde el principio pienses en la goma  como un instrumento útil de dibujo, y no solo para corregir errores.

Aclarado este punto pasemos a responder las preguntas. En principio te recomendaré tres tipos de goma, la de migajón comprimido, la goma dura y la goma estrella, la goma moldeable. 

Todas son muy recomendables y las podrás usar según sea tu intención artística. Veamos como las uso.

 La goma de migajón

Típica goma de migajón comprimido. Hay otra que es de migajón suave y esa no nos sirve de mucho ya que se desbarata con mucha facilidad.

De todas las gomas que circulan en el mercado concluí que esta es una de las mejores para el dibujo artístico. La gran mayoría han sido concebidas para usarse más bien en la escuela o en la oficina como correctores de texto.

Algunas borran el grafito y otras la tinta del bolígrafo (no del todo), pero ciertamente lo hacen de un modo bastante tosco y tal vez hasta agresivo. Es fácil ver como muchas de estas gomas raspan tan duro el papel que llegan a rasgarlo o incluso hasta romperlo.

Clásica goma dura de caucho ( escolar). Los niños las usan para coregir su escritura a lápiz (parte roja) o de bolígrafo (parte azul). No sirve para el arte de dibujar

Otras gomas simplemente ensucian de inmediato el papel embarrando más que borrando. Esas de plano son inservibles para el artista. DESCARTÁLAS!

Estas son algunas de las gomas menos recomendables par el artista. Es probable que las conozcas.

La goma de migajón es más amable, borra limpiamente y manejándola con cuidado no maltrata el papel. Úsala para limpiar amplias áreas de tu dibujo, solo barre los residuos del borrado con un cepillo especial para dibujo que consigues en las papelerías de arte.

Este es el cepillo ideal para borrar los residuos de la goma

Tip: Cuando tu goma ya esté muy negra o sucia, la puedes limpiar fácilmente frotándola contra  una lija mediana. 

La goma dura negra 

Esta goma me viene a colación por una razón importante, en principio, al ser dura puede ser que no sea muy útil para borrar amplias zonas, es más, no le encontré la utilidad para borrar nada, más bien, y ahi te va mi truco, descubrí que podía rebanarla y adecuarla a un manguillo para así tener ese magnífico instrumento para dibujar borrando; el lápiz goma. o mejor conocido en el medio como el Tombow, famoso. Así es mi amigo(a) artista, como ya había comentado, la goma sirve para algo más que para borrar o corregir errores; los profesionales la usamos también para dibujar luces y para reducir y atenuar valores. Por ello, en el mercado podrás encontar lápices goma (Tombow), para tal especialidad, incluso algunos incorporan un cepillito en su otro extremo para retirar residuos, pero creo que con la opción que te sugiero, tendrás un excelente lápiz goma, digno competidor de los tombow mas efectivos. Checa en la imagen, abajo, como fabriqué el mío. La marca de goma que utilizo es sabonis.

La goma moldeable

Esta es mi favorita, especial para artistas, checa sus cualidades: borra limpiamente, sin manchar tu dibujo ni embarrar el lápiz; incluso borra carboncillo, no deja residuos, borra perfectamente y la puedes moldear como si fuera plastilina para adecuarla a la zona deseada por pequeña que esta sea, cualidad ideal y única para quienes buscan lograr efectos de luz, y texturas, y si esto no fuera suficiente, no maltrata el papel, por más duro que le des a tus borrados.

Definitivamente esta goma la debes tener y usar. Nota: la encuentras en papelerías especializadas.

Portafolio portadibujos

Recuerdas cuando en el apartado referente al papel hablaba de archivar tus dibujos?, bueno pues el portafolios de dibujo que te muestro en la fotografía es el contenedor idóneo para ello. Puedes guardar dibujos terminados o a medio hacer de unos 60 cm x 40 cm o un poco más grandes.  En este portafolios se mantendrán seguros y bien cuidados, y claro, los puedes transportar para presentarlos a quien quieras. Que tal? También puedes guardar hojas limpias de reserva para montarlas luego en tu tabla. La tabla misma cabe en él, pues tiene un grosor de unos 4 cm. 

Características extras: Es de plástico, sin divisiones y con broche a presión. Es de bajo precio y lo encuentras en papelerías especializadas en arte y dibujo.

El Sacapuntas o el  cutter? Para afilar tu lápiz. 

El sacapuntas es muy conocido por todos, quien no lo usó en los trabajos de la primaria?,

Sin embargo no lo recomiendo como el instrumento ideal para afilar nuestro lápiz, prefiero el cutter y ahora te diré porque.

El sacapuntas solo te permite obtener un tipo de punta, no la puedes cincelar  a tu gusto. A lo mejor si eres principiante esto te parecerá irrelevante pero conforme vayas adentrándote en la práctica del dibujo, te volverás más exigente y es muy probable que cambies ese rígido instrumento por el cutter que si te permite lograr la punta que desees.

Cutter de navaja de 9 mm para artistas.

Lo más recomendable es, sin embargo que inicies con el sacapuntas ya que el cutter requiere habilidad para manipularlo adecuadamente, incluso puede resultar riesgoso. Te recomiendo que sigas mi tutorial sobre cómo debemos usar el cutter para sacarle punta al lápiz.

Tip: tu sacapuntas debe ser de buena calidad, metálico de preferencia. Los de plástico suelen ser malos y pueden quebrar continuamente tus puntas. El cutter debe ser de navaja delgada (9mm).

Lápices de colores y marcadores

Como principiante, es muy probable que no solo quieras practicar con el lápiz y te inquiete sobremanera el experimentar con el color. Por ello creo que los lápices de colores son definitivamente la mejor elección. Son sumamente amables, igual que el lápiz pero con el ingrediente extra del color. Genial, no? Prueba con ellos. Sigue este link para dirigirte a un magnífico tutorial en donde te explico como  pintar un llamativo cuadro con lápices de colores que te dará una idea muy detallada sobre cómo puedes utilizarlos.

Y, Si tu inquietud es extrema y adictiva hacia el color, creo que puedes entonces también probar con marcadores o hasta bolifgrafos de colores, que son bastante controlables y te brindan brillantes y potentes colores, solo que toma en cuenta que estos son más comprometedores y no admiten correcciones. 

Un último consejo: Recuerda, eres principiante así que por favor no intentes probar los medios avanzados, como el óleo, acrílico o la acuarela. Estos requieren práctica y más conocimiento del método y técnicas;  podrían generarte más frustración que satisfacción, se paciente y ve paso  paso. Puedes llegar muy lejos.

“El peor enemigo del artista es el miedo al fracaso. Enfréntalo, y explota tu talento”.

Cómo pintar un paisaje al óleo ( trabajo en clase) 2

Hola amigo artista, antes de continuar con este tutorial sobre como pintar un paisaje al óleo basándonos en el ejercicio en clase, permíteme recordarte que en la entrada (1) expliqué que debíamos iniciar con una serie de bocetos al carboncillo y al tamaño para estudiar formas y tonos, esto con el fin de irnos familiarizando con el tema. Ahora, en esta segunda entrada sobre el particular entraremos de lleno a ver como mis alumnos resolvieron el resto de la pintura, así que prepárate para que si es tu deseo puedas también, al igual que ellos pintar esta escena de árboles con lago al óleo.

Una ves que los alumnos ensayaron su modelo y ya muy familiarizados con las formas
les indiqué que dibujaran con el carboncillo su sketch en la tela. Les pedí que solo dibujaran razgos generales, tales como los troncos de los árboles, el lago y algunos trazos que sugirieran el pasto y las nubes. Aquí  podemos ver como Estelita está muy concentrada  haciéndolo y ciertamente muy bien.

Que colores vamos a utilizar?

Empezamos armando dos paletas de color, una fría y una cálida, porque en éste como en casi cualquier cuadro a color, siempre tendremos dos cualidades cromáticas perfectamente definidas, una cálida y otra fría. 

Elegiremos los colores para cada paleta que nos permitan aproximarnos lo más que se pueda a la gama cromática del modelo.  Esta elección requiere cierta experiencia
por lo que en este caso y para facilitarles el trabajo, ayudé a mis alumnos a seleccionar los suyos.

Las paletas se compondrán de los siguientes colores:

Paleta fría: (Azul cobalto, sombra tostada, blanco y negro).
Paleta cálida: (Azul cobalto, nuevamente, amarillo medio, siena tostada, laca naranja 
y blanco).

Colores extras de refuerzo: sirven para intensificar el matiz de un color o para generar una tendencia cromática. Ya veremos mas adelante cuando y como entran en acción. Estos serán el verde viridian, el violeta y el azul cerúleo.   

Ahora bien, el verdadero desafío consiste en como utilizaremos ambas paletas. La clave está en que a partir de la mezcla calculada de todos los colores de cada paleta, podamos conseguir todo el abanico de color del modelo, combinándolos en diferentes
proporciones. Nunca deberás combinar los colores de una paleta con la otra pues esto afectaría la temperatura de color gravemente.

Considerando esto te diré que en casi todos los casos en que tengas que preparar un color, el que sea, te recomiendo utilizar todos los de tu paleta, de este modo tus colores siempre estarán en armonía cromática, por ejemplo: si tu intención es componer un verde cálido para el follaje,  y los colores de tu paleta cálida son rojo, naranja, amarillo y verde, tu verde deberá contener como base, obviamente, el verde pero también algo de rojo, amarillo y naranja;  el verde resultante será quizá algo terrozo, pero armónico finalmente.

Ambas paletas se complementarán pero siempre procuraremos trabajarlas en recipientes separados, a fin de evitar mezclas erróneas de colores, ( ve la foto), que se pueden generar por contaminación de pinturas volviendo inservibles nuestras mezclas. Un ejemplo sería que por error se contaminara un color cálido con el sombra tostada o el negro de la paleta fría, porque estos colores promueven oscuridad y regularmente los colores cálidos no son tan oscuros.


Nota. Muy rara ves el negro se aplica directo, por lo general para lograr oscuridades densas se mezcla con sombras o con azules.

                                                    Paso 1. El manchado 

El método para pintar consiste en aplicar la pintura en capas, ( capas frescas aplicadas sobre capas secas), empezando con una primera capa de manchas amplias que tengan solo la intención de cubrir la tela en su totalidad con colores aproximados a los finales

tanto en matiz como en tono. 

Notas: Prepara tus colores rebajándolos con suficiente aceite de linaza para que la pintura se pueda expandir con cierta agilidad y se puedan cubrir amplias zonas del cuadro de una sola pincelada. Ten a la mano papel de baño para limpiar tus pinceles con regularidad y  trabaja con un pincel plano de cerda dura para óleo del numero 18.

Al manchar no deberás detenerte en las sutiles variaciones de matiz y tono que puedas apreciar por ahí, como por ejemplo ese ligero tono violeta que se ve por aca, o ese extraño verdecito mas claro que se aprecia por allá, o tal ves ese azulito muy raro que no entiendo como se lograría, por acullá. Por favor, insisto, esas variaciones ignóralas por el momento, mancha, mancha todo de una ves. Insistir en resolver el cuadro de una sola ves
puede llevarte a la frustración más rápido de lo que te imaginas, por eso te recomiendo seguir al pie de la letra los pasos, tal y como lo hicieron mis alumnos. Lo más recomendable es que este primer paso lo resuelvas en una sesión, posteriormente se irán agregando capas nuevas cada ves mas ajustadas al resultado final. 

Iniciaremos con las zonas frías. que son las sombras y luces del lago y el cielo. Mezclando azul cobalto y sombra tostada buscaremos conseguir un café muy oscuro con el que mancharemos las sombras en el lago y de una ves las partes más oscuras de los árboles.

Luego pintaremos el cielo y la parte clara del lago; en ambos casos tenemos azules claros pero...ATENCIÓN!!! mira como estos son diferentes, por ello es muy importante que sigas al pie de la letra esta secuencia: empieza por el cielo, componiendo el azul con una mezcla de azul cobalto con blanco, cuidando de no contaminar esta mezcla con el sombra tostada; una vez lo hayas pintado agrega, ahora sí, pequeñas cantidades, mínimas creo yo de sombra tostada para que ese mismo azul ahora se torne algo grisáceo, y con este pinta la zona clara del lago.Se ven distintos, verdad?, Insisto, no te preocupes mucho por las sutiles variaciones de colores tanto en el cielo como en el lago. Solo preocupate por cubrir el área, en un paso posterior los matizaremos aproximándonos al modelo, Ok.?

Trabajando ahora con la paleta de colores cálidos.

Paleta cálida: Azul cobalto, nuevamente, amarillo medio, siena tostada, 
laca naranja y blanco.

Con esta paleta ( cálida) cubriremos el resto de la tela, y así acompletamos el primer paso. Los colores, como ya dijimos se colocarán en recipiente aparte, separados de los de la paleta fría, para evitar contaminaciones. 

Recuerda, el órden es muy importante, tanto en el proceso como en el manejo de los materiales.

Con el siena tostada, el amarillo medio y  blanco preparamos un color ladrillo algo terroso, rojizo y pasteloso con el que pintaremos las partes del pasto que tienen una coloración mas o menos así, (segun el modelo), tal y como lo está haciendo aquí el buen Andrés.

Una ves hayamos manchado esas zonas, a este mismo color le agregaremos algo de azul cobalto  y amarillo medio para volverlo verdoso y con este nuevo color cubriremos más áreas de pasto que en el modelo se aprecien así, verdosas. 

Y así, sobre esta dinámica de preparación de colores, iremos avanzando nuestro manchado, agregando más azul, restando siena, subiéndole al amarillo, agregando un poco más de blanco o un poco de laca naranja, etc., vamos obteniendo nuevos y variados colores sin salirnos del esquema de armonía cromática.

Podemos, por ejemplo preparar naranjas terrosos, verdes azulados, algunos mas oscuros, otros más claros o incluso mas amarillentos, según lo dicte el modelo y los aplicamos hasta cubrir el área  en su totalidad, incluyendo ya un esbozo de las hojas de los árboles.

Nota; a manera de recordatorio, los troncos de los árboles,  el lago y el cielo se pintan solo con la paleta fría , así que no los debes trabajar con los colores de esta paleta.

Insisto también en que no pretendas aun lograr colores finales, estamos aproximandonos, y aun falta. chécate en estas fotos como justamente aunque se aprecia el cuadro aparentemente muy avanzado, aun carece de detalles.

Todos mis entusiastas alumnos manchando sus telas con ahínco.

Asi debe quedar el cuadro una vez finalizado
el manchado general.

Finalizando la sesión el cuadro debe quedar mas o menos así. 
Recomendación: Deja secar tu cuadro unos dos días antes de seguir aplicando más pintura.

Entonando y armonizando los colores

Matizando una zona en colores paja,
Unos más claros y otros más oscuros.

Una ves haya secado completamente el cuadro daremos inicio a la armonización de los colores, detallando al mismo tiempo las formas; para ello emplearemos nuestras dos paletas que ya definimos al principio solo que ahora añadiremos los colores extras para matizar y embellecer nuestra obra.

Así que empezando con la paleta cálida, ( siena natural, amarillo medio, laca naranja, azul cobalto y blanco), prepararemos colores, según se aproximen a los del modelo, tal
y como ya lo hicimos en la sesión anterior, solo que ahora si con mayor cuidado y buscando aproximarnos mas a los detalles y colores.

Nota: Esta vez usaremos muy poco aceite de linaza, pues se requiere que la pintura tenga una consistencia más pastosa para que sea mas manejable y mas cubriente en áreas pequeñas.Podemos pintar flores, hojas de los árboles, pasto crecido, por aca 
o por allá, etc. 

Y, Atención!!! en aquellas zonas en donde percibas violetas, o verdes mas intensos o diferentes añade a tus mezclas algo de violeta o verde viridian segun sea el caso.

En el caso del cielo necesitaras añadirle a tu mezcla de azul cobalto y blanco un poco del azul cerúleo ( de los colores extras) para darle mas viveza en esas zonas donde se vea así, pero no lo apliques directo, solo matiza.

Siguiendo al pie de la letra estas recomendaciones podrás obtener sin problema esos colores rojizos, colores paja, verdes, etc. sin agregar ningún color extra más.

Nota: Interrumpe eventualmente tu sesión y deja secar y descansar tu cuadro. Vuelve al otro día quizas a darle más avance. esta dinámica de trabajo de varias sesiones, ayuda mucho a mantener fresca tu mente pues es muy común que nos saturemos de información visual que nos nubla a veces la objetividad. 

Obra terminada de Rosy.

Y Listo!!!, finalmente te presento el cuadro terminado, que en este caso se trata
de la obra de Rosy. Todos los trabajos estuvieron excelentes solo que elegí el de Rosy porque fue la primera que corrió a enmarcarlo, y como podrás apreciar le quedo muy bien.

Espero te haya gustado mi tutorial y sobre todo que haya logrado inspirarte  para
pintar, sino este tal vez algún otro tema,me dará de verdad mucho gusto. 

No dejes de compartirlo y por supuesto dejo abierta mi invitación para que de vez en cuando visites mi blog. Te dejo mi frase de siempre...

"El miedo al fracaso es el peor enemigo del artista. Enfréntalo y explota tu talento"

...Y que viva el arte!!!
Como pintar un paisaje al óleo ( Trabajo en clase) 1